LADO B!

LADO B! 02-09-2009

2009-11-11T02:43:00.001-03:00

Bloque 1: Disco de la semana con Oasis, específicamente un disco en vivo no oficial de una presentación que efectuaron el 23 de octubre de 2008 en el Cardiff International Arena.
Bloque 2: Los 20 años de la formación de Stone Roses
Bloque 3: Popurrí de noticias con Jimi Hendrix y la banda del actor Ryan Gosling llamada Deadman's Bones
Bloque 4: Futuras presentaciones de Candlebox y The Killers en Chile
Bloque 5: The Howlers, Perrosky y Matías Senna.

Para llegar a cada bloque solo tienen que presionar la tecla play y después el botón adelantar. Cada vez que lo hagan estarán saltando un segmento del programa.

Carnaval de Explosivo Dramatismo

2009-09-08T23:49:00.021-04:00

A.Z.C.

Conocido por ser un autor inquieto y multifacético, el australiano Nick Cave ha creado una imagen clara de sí mismo: la de “poeta maldito”, hombre torturado, explosivo y dramático así como alma "renacentista" que se pasea por las artes visuales, la literatura y el cine. Sin embargo, más allá de dicho personaje devenido a veces en caricatura, Cave ha marcado en forma indeleble su importancia en la que es su principal actividad: la música.

Ya sea en sus inicios como parte de ese torrente de primitiva energía llamado The Birthday Party (1980-1984); junto a The Bad Seeds, la agrupación con la cual se hizo mundialmente famoso (1984-Actualidad) o al mando de su más reciente proyecto denominado Grinderman (2007-Actualidad), lo cierto es que aquel personaje de tintes góticos, delgada contextura, gracioso bigote, lisa melena y atuendo sacado del baúl del abuelo, es un músico que ha sabido pasearse por los más disímiles sonidos. Violencia, nostalgia y oscuridad que tienen en la placa de 1986, Your Funeral... My Trial, uno de sus primeros ejemplos de efectiva reunión.

Se trata de un álbum en el cual el músico une con perfecta armonía las dos principales facetas de su trabajo: la impulsividad casi tribal de sus inicios con The Birthday Party y el melancólico lamento de lo que vino luego junto a The Bad Seeds. Porque este cuarto disco de las “malas semillas” se caracteriza por su variedad, ambientación carnavalesca y experimentación sonora, las cuales se hacen patente en forma a veces elegante y otras más desenfadada, uniendo los tópicos sonoros y emotivos clásicos de la agrupación: oscuridad, melancolía, pasión, arrebato, religiosidad y erotismo.

Una placa que entrega algunos temas clásicos como Jacks’s Shadow, Sad Waters, Scum o The Carny -que funciona como una especie de preámbulo a lo que será luego el alabado Murder Ballads (1996)- y a través de los cuales se demuestra la capacidad del músico y sus secuaces para engendrar piezas con vida propia, las que a través del vaivén de sus notas logran transmitir una atmósfera y relatar una historia sólo con el progreso de su melodía (aunque no hay que dejar en ningún caso de lado las letras y la declamación que Cave hace de ellas, uno de los sellos de su carrera).

Your Funeral… My Trial es un disco importante en la historia de la agrupación por ser el punto de inflexión de dos vetas fundamentales en el desarrollo de la banda y su líder, quien pasó de post punk hiperventilado a engendro gótico moderno para llegar luego a algo así como caballero maduro un tanto siniestro. Una metamorfosis que pese a todo, y afortunadamente, ni el mismo músico se cree y que lo tiene a sus 52 años más que activo y revisitando en forma constante géneros que no pierden nunca de vista su veta más rockera.

Pincha aquí para descargar el disco

LADO B! 24-06-2009

2009-06-25T12:59:00.002-04:00

Bloque 1: Disco de la semana con Nick and The Bad Seeds y el disco Your Funeral... My Trial
Bloque 2: Entrevista con Igor Leiva, guitarrista de Poema Arcanvs, quienes están prontos a reeditar su disco debut y un nuevo álbum.
Bloque 3: Comentario del varias veces pospuesto recital de Brett Anderson en Chile.
Bloque 4: Anticipamos los próximos recitales de las bandas Walls Of Jericho, Amorphis y Children of Bodom en nuestro país.
Bloque 5: Popurrí de noticias con Faith No More, Los Peores de Chile y Andrew "Jr. Boy" Jones.
Bloque 6: Comentario del recién salido disco de los metaleros de Voivod.

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LADO B! 17-06-2008

2009-06-18T14:42:00.003-04:00

Bloque 1: Álbum debut de Chickenfoot, supregroup formado por los ex Van Halen Sammy Hagar y Michael Anthony, el guitarrista Joe Satriani y el baterista Chad Smith de Red Hot Chili Peppers
Bloque 2: Entrevista con Daniel Robles, vocalista y bajista de el grupo de rock chileno Silencio.
Bloque 3: Disco de la semana con la placa homónima de Jane's Addiction
Bloque 4: Sountrack con la película Cadillac Records
Bloque 5: Popurrí de noticias con Eddie Van Halen, Placebo, Nine Inch Nails y Spinal Tap
Bloque 6: Comentario sobre la Cumbre del Metal Chileno

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LADO B! 10-06-2008

2009-06-14T19:39:00.002-04:00

Bloque 1: Disco de la semana con Stereophonics y su placa Language Sex Violence Other
Bloque 2: Lo nuevo de Iggy Pop
Bloque 3: Soundtrack de la semana con la banda sonora de Last Action Hero
Bloque 4: La lamentable noticia de la muerte de Koko Taylor
Bloque 5: Entrevista a Jorge Campos de Fulano debido al dvd que editarán con sus presentaciones de regreso.
Bloque 6: Popurrí de noticias con Alice In Chains, Faith No More y el proyecto musical que involucró al director de cine David Lynch llamado Dark Night of Soul

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El otro Britpop

2009-06-14T16:25:00.005-04:00

M.C.C.

Inevitablemente el imaginario del britpop nos remite a Suede, Blur y Pulp. Pero antes de ellos hubo dos grupos que fueron los que mayormente sembraron las raíces para que la música independiente de Gran Bretaña se transformara en un fenómeno mundial a mediados de los '90. Una de esas bandas fue The Stone Roses, pero sin lugar a dudas que la principal fuente de inspiración fueron The Smiths y posteriormente su vocalista Morrissey.

Debido a aquello es que prácticamente toda esa camada de artistas siguieron cultivando las melodías extremadamente amables de sus predecesores. Canciones fácilmente disfrutables al oído, quizás con algo de perversión en las letras, pero que se desvanecía por las melodías pegajosas que emanaban de los grupos.

Todo aquello es lo que se puede apreciar a primera vista, pero de la misma forma, una pequeña camada de esas bandas tenían otros referentes para crear su música y de inmediato se terminaron desmarcando de la otra vertiente del britpop. Así Supergrass, Kula Shaker y Oasis cultivaron una sonoridad que se remitía más al rock de los '60 y '70, sonidos más crudos y ruidosos. The Kinks, Sex Pistols, The Who y/o The Beatles eran sus guías.

Dentro de ese subgrupo es que se puede meter a Stereophonics, un conjunto algo desconocido por este lado del mundo, y que pese a formarse en 1993, recién en esta década llegó al éxito, precisamente con el disco Lenguage Sex Violence Other? (2005).

Quizás que en estos años se le concediera la atención que merecía Stereophonics se debe a que fue en este siglo se vivió el auge de las bandas que rescataban el sonido setentero del rock. Eso los galeses lo habían cultivado desde siempre, pero en esta placa se llevó a un nivel superior. Lo melódico de algunos temas como Dakota, Lolita o Rewind podrían haber sido simples canciones pop, pero siempre las aderezaron con un sonido rasposo de la guitarra y (algo muy raro en el britpop) incluyendo algunos solos de guitarra más complejos que la media de lo suele escucharse en este tipo de música, lo que da más vitalidad aún al disco. Y esto último se aprecia mucho mejor en los temas más acelerados de la placa como Doorman o Girl, donde claramente se puede escuchar la influencia punk de los Sex Pistols.

La labor del vocalista Kelly Jones merece consideración aparte, pues no teme cantar carraspeado, dejando que las voces limpias sean simples momentos esporádicos. Además hay que agregar ese desgano con aires de arrogancia en la interpretación (que recuerdan los primeros años de Liam Gallager en Oasis), algo inherente en la oleada original del punk en Inglaterra.

Ciertamente Stereophonics dieron un paso gigante en la fusión de elementos que los hicieron acreedores de un sonido que ojalá se replicara más en las bandas mainstrem del viejo continente.

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Perfecta simpleza

2009-06-12T02:25:00.011-04:00

A.Z.C.

En ella no se encontrarán complejas y ensayadas coreografías, tampoco pomposos escenarios y menos coloridas interpretaciones en medio de la calle, mientras los transeúntes pasan, dando la idea de que es normal que de la nada alguien se ponga a viva voz a cantar o bailar, acompañado por un ejército de imitadores de Fred Astaire aparecidos de la nada.

La cinta irlandesa Once (2006) es todo menos eso. Porque pese a ser un musical no se encuentra plagada de momentos “mágicos” en los cuales dar rienda suelta al baile y al canto, es más, no posee ninguna coreografía a lo largo de sus apenas 85 minutos de metraje y, por el contrario, su carácter musical radica sólo en las canciones que acompañan a la película y que fueron escritas especialmente para esta historia que, aunque parezca romántica, trata más sobre las relaciones humanas y la pasión por la música, que el amor.

La historia trata sobre “El” (Glen Hansard), un músico callejero que todas los días se para en una de las principales avenidas de Dublín a interpretar, por el día, versiones de canciones conocidas y, por la noche, sus propias creaciones y “Ella” (Markéta Irglová), una joven checa recién llegada a Irlanda que vende rosas en la calle y limpia casas para poder mantenerse, pero que además es una virtuosa pianista.

Ambos personajes interactúan en la que podría definirse como la archiconocida fórmula de “chico conoce a chica” pero que en manos de su joven director, John Carney, toma un cariz distinto, uno donde el espectador no se siente obligado a esperar la primera declaración de amor y, mucho menos, el primero beso.

Por el contrario, el motor que mueve la historia es la pasión de ambos personajes por la música y las distintas melodías que van entonando a lo largo de la película, las cuales están elegidas y colocadas con tal precisión y elegancia que no permiten al espectador dudar de su “veracidad”, pareciendo muchas veces un diálogo más de los personajes o, cuando no es cantada, parte del aire que éstos respiran. Una calidad que no ha pasado desapercibida y que llevó a la cinta a obtener en 2008 el Oscar a la Mejor Canción Original, por Falling Slowly, pese a competir contra multimillonarias producciones de Hollywood como Encantada.

De igual forma, los distintos temas que “El” y “Ella” interpretan a lo largo de la historia demuestran el real talento de ambos y, he aquí parte del secreto de la cinta, ni Hansard ni Irglova habían actuado nunca antes -salvo una pequeña participación del primero en el musical The Commitments (1991) de Alan Parker-. Se trata de dos músicos profesionales que hasta hoy se desempeñan regularmente como tal: Irglóva es una reconocida intérprete clásica de piano y Hansard es líder de la banda de rock The Frames.

Una circunstancia que más que invalidarlos les permitió aportar buena parte de la frescura e inocencia que rodea a la cinta. Una simplicidad que conmueve, identifica y va mucho más allá del suspiro inicial de la platea.

Descarga la banda sonora aquí

El anticipo de lo grande

2009-06-05T21:11:00.006-04:00

M.C.C.

En el afán de la prensa por crear fenómenos para reemplazar a los otros anteriores (y así tener siempre sobre qué reportear), muchos han sido los grupos musicales que fueron ignorados en un principio para después convertirse en fetiches. A Black Sabbath le pasó en sus inicios, lo mismo con The Police, por poner dos ejemplos al azar.

En los '90 esto pasó con The Smashing Pumpkins y su placa Gish, que fue más bien ignorada porque todos tenían puestos sus ojos en Nevermind de Nirvana. De esta forma, la tremenda capacidad de composición que se dejó ver en el disco debut de la banda de Billy Corgan pasó sin pena ni gloria aquel 1991.

Quizás el hecho que no le prestaran la atención que creía que su banda merecía, pudo influir para que el calvo guitarrista decidiera ser más tirano aún en las grabación y creación de las canciones para su siguiente álbum, relegando a todos los miembros del grupo a ser meros expectadores. La excepción fue Jimmy Chamberlain, a quien ciertamente Corgan no le hacía el peso en la batería, gracias a que el percusionista dominaba su instrumento a la perfección al venir del exigente mundo del jazz.

Así fue como apareció Siamese Dream, el disco que hizo que la prensa comenzará a fijarse en The Smashing Pumpkins, al punto de considerar que podían seguir los pasos de Nirvana (porque eventualmente tenían que pasar de "moda"). Si bien eso no ocurriría hasta Mellon Collie and The Infinite Sadness, ya aquí se tuvo una buena probada de la duplicidad de Corgan para crear canciones que agradaran tanto a rockeros acérrimos como al mundo más pop.

Siamese Dream viaja en el límite de los sonidos del rock indie y la música mainstream de frentón, dejando claro que no eran cosas necesariamente excluyentes. Geek U.S.A. y Disarm son ejemplos de ambos estilos, el ruido contrapuesto con la balada pop. Today, Quiet y Mayonaise, por nombrar algunas, vendrían a ser la fusión de esas sonoridades, haciendo que la ecuación ciertamente esté balanceada.

Claro que no hay que dejar de lado ese dejo de repetitividad (que no es lo mismo que monotonía) que provoca "quedarse pegado", un sello siempre presente en el rock independiente de Estados Unidos desde la década de los 80'.

El segundo disco de los Smashing Pumpkins ciertamente no es la obra cúlmine de la banda, pero sí un buen indicio de lo que se vendría después.

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LADO B! 03-06-2009

2009-06-04T13:46:00.004-04:00

Bloque 1: Disco de la semana con el Siamese Dream de Smashing Pumpkins
Bloque 2: Banda nueva con los ingleses de Gallows
Bloque 3: Soundtrack de la semana con la película Once
Bloque 4: Entrevista con Andrés Padilla, editor de la revista Grinder, quien editará un libro sobre los inicios del metal en Chile
Bloque 5: Anticipamos la próxima venida del ex cantante de Memphis La Blusera, Adrían Otero, a nuestro país.
Bloque 6: Noticias con el nuevo proyecto de Jack White y una nueva canción de Pearl Jam de lo que será su próximo disco.

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Progresivamente a la chilena

2009-06-02T18:03:00.005-04:00

M.C.C.

El rock progresivo en Chile desde la década de los '90 en adelante no se ha caracterizado por tener nuevos grandes exponentes. Polímetro fue una de las pocas agrupaciones en generar algo de ruido, pero cultivando la variante metalera del género, aunque tampoco pasó mucho con ellos, principalmente por las diferencias internas y por el innegable parecido de sus temas con Dream Theater. Quizás Alejandro Silva se podría incluir aquí, pero en realidad lo de él se acerca más al shredding, por el excesivo protagonismo de la guitarra por sobre los otros instrumentos.

Así que básicamente el panorama del rock progresivo en nuestro país a primera vista se reduce a Los Jaivas, Congreso y Fulano, es decir, bandas que ya tienen varias décadas en el cuerpo. Y a decir verdad, los primeros son los únicos en ser realmente populares.

Lo anterior se explica porque el rock progresivo nunca se ha caracterizado por ser altamente masivo, y no solo en Chile, sino que en todo el mundo. Pink Floyd y Rush deben ser las grandes excepciones a la regla. Esto puede ser debido al gran nivel de complejidad que tienen muchas de las composiciones, con abundantes solos de los distintos instrumentos, melodías a contratiempo, infinidad de quiebres, canciones largas y a veces instrumentales, en resumen, un despliegue de virtuosismo que muchas personas simplemente no toleran, comprenden o creen innecesario.

Quizás por todo aquello es que el disco Mixolidio de la agrupación chilena Ergo Sum pasó demasiado inadvertido cuando se editó, y ahora ha tomado un poco más de vuelo por el concurso de guitarra en que está Alexandros Tefarikis, quien viajará a Inglaterra a participar en dicha competición.

Más allá de ese hecho anecdótico, el álbum de esta banda es impresionante. Primero por la pulcritud con que está ejecutado (muchos de los temas están en vivo)y segundo por la simbiosis que se genera al lograr mezclar correctamente la influencia del rock en inglés con sonidos propios de los exponentes locales del estilo. Esto se manifiesta a nivel de arreglos sobretodo, donde se nota la influencia de Fulano, con el teclado sacando sonidos de flauta, y la incorporación de instrumentos de percusión atípicos, como son la marimba y el vibráfono.

La virtuosidad está presente por todos lados, pero de forma tan sutil y bien puesta que difícilmente uno termina sobrepasado por los pulcros barridos de guitarra y quiebres en los temas. Todo siempre con su dosis justa de sonidos metaleros para otorgarle esa intensidad y dramatismo siempre necesarios a las canciones.

Rara vez se escucha una adopción tan buena de un género extranjero por parte de una banda chilena, así que habrá que esperar que Ergo Sum tenga la oportunidad de masificarse y crear escuela en nuestro país.

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LADO B! 27-05-2009

2009-05-29T14:02:00.004-04:00

Lado B! vuelve y en la última edición despedimos oficialmente a Patricio Salazar, que emprende rumbo a Canadá para seguir rockeando.

Bloque 1: Disco de la semana con Ergo Sum y su placa de 2002 Mixolidio.

Bloque 2: Posible realización de una película que retratará el surgimiento del movimiento Black Metal en Noruega.

Bloque 3: Próximos recitales de las bandas Anathema y No Age en Chile

Bloque 4: Música freak con el nuevo disco del bajista de Primus, Les Claypool, con su placa Of fungi and foe

Bloque 5: Noticias con Apocalyptica, Marilyn Manson y AC/DC

Bloque 6: Estreno del documental sobre la banda Matorral

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Censuran portada de Manic Street Preachers en Gran Bretaña

2009-05-18T02:20:00.009-04:00

Guardian/A.Z.C

Así como el hombre elefante escondía su deformidad con una bolsa de papel, cuatro supermercados ingleses -Tesco, Asda, Sainsbury's y Morrisons- decidieron comercializar el nuevo disco de la banda galesa Manic Street Preachers, titulado Journal for Plague Lovers, con un empaque especial que impide a quienes no adquieran el álbum ver la controvertida carátula.

Esto, debido a que en ella se ve la pintura de un niño con una mancha roja en el rostro que, según las empresas involucradas, pareciera ser una salpicadura de sangre. "Sentimos que algunos clientes podrían considerar esta portada como algo inapropiado para ser expuesto en los mostradores", comentó un representante de Sainsbury's.

Journal for Plague Lovers muestra un cuadro pintado en 2005 por la artista británica Jenny Saville, con cuyo trabajo los músicos ya estaban familiarizados desde 1994 cuando utilizaron una de sus obras para la portada del disco Holy Bible. Sobre la polémica, Saville ha dicho que las manchas consideradas "inapropiadas" corresponden a un lunar o marca de nacimiento al lado de la cara del niño.

Por su parte, el vocalista de la agrupación, James Dean Bradfield, comentó que "es perturbador que los supermercados crean que la portada va a influenciar la mente de alguien, nosotros sólo pensamos que era una pintura hermosa", y agregó, "puedes tener adorables y brillantes nalgas o pistolas en las portadas de revistas y discos por todos lados en los supermercados, pero muestras una pieza de arte como esta y la gente se espanta. Nosotros no vamos a censurarla ni nada... Es lo que es".

El disco que sale hoy a la venta fue producido por Steve Albini (Shellac) y corresponde al noveno trabajo de los británicos; sin embargo, es la sexta placa desde la desaparición en 1995 de su guitarrista, Richey Edwards. Las letras de los 13 temas que componen el disco fueron extraídas de los diarios dejados por el músico, declarado oficialmente muerto recién a fines del año pasado.

LADO B! 29-04-2009

2009-04-30T14:17:00.003-04:00

Bloque 1: Disco de la semana con War de U2
Bloque 2: Comentario del recital ofrecido en Chile por la banda Heavy Trash
Bloque 3: Música freak con el disco rock swings de Paul Anka
Bloque 4: Soundtrack de la semana con la banda sonora de la cinta The Wrestler
Bloque 5: Noticias con Weichafe, Pentagram y Amon Amarth
Bloque 6: Adelantos de los próximos discos de Jarvis Cocker y The Mars Volta

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Disco de la Semana: May I Sing With Me de Yo La Tengo

2009-04-27T03:59:00.007-04:00

Rodolfo Rojas

May I Sing With Me de Yo La Tengo es uno de esos discos que te provoca apetito musical, donde después de escucharlo no queda más remedio que emprender la búsqueda de información sobre esta banda originaria de Hoboken, New Jersey, un pueblo que mira a New York desde el otro lado del río Hudson.

El nombre del grupo surge de una anécdota deportiva que le sucedió a los New York Mets, cuando para evitar que en el esfuerzo por detener la pelota los jugadores chocaran con un defensa latino, todos le gritaban "Yo la tengo", estrategia que sirvió hasta que otro jugador que no había ido a los entrenamientos chocó con el defensa.

Esta placa lanzada en 1992 es la quinta del grupo desde que se formó en 1984, cuando el matrimonio formado por Georgia Hubley y Ira Kaplan empezó a poner anuncios en bares y tiendas de discos buscando integrantes para su banda.

En los primeros trabajos se experimentó con sonidos cercanos al folk en discos como Ride The Tiger (1986), New Wave Hot Dogs (1987) , President Yo La Tengo (1989)y Fakebook (1990), pero la rotación de los integrantes, las bajas ventas y las tibias críticas no ayudaban mucho al despegue de la banda, situación que cambió con la llegada del bajista James McNew, que logró integrar estos “polos opuestos” que existían en el grupo: las raíces folk y rock de Ira y la delicadeza más popera de Georgia, logrando un resultado que suena a la vez familiar pero también novedoso.

Es este el primer registro de Yo La Tengo que suena fresco y energético pero también melancólico, elementos que se convertirían en característicos de la banda en sus próximos álbumes como Painful (1993), Electr-O-Pura (1995) y I Can Hear the Heart Beating as One (1997), en donde el lado más suave de Georgia empezó a predominar para acabar con uno de los discos más electrónicos de la banda: And Then Nothing Turned Itself Inside Out (2000), donde Georgia llegó a imponer casi por completo el lado más pop del grupo.

A pesar de eso, la banda vuelve a acercarse a su sonido original con discos como Summer Sun de 2003 y I Am Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass , de 2006, que suenan más parecidos a la banda que sorprendió a todos en la escena indie de principios de los noventa y que gracias a las constantes giras y al incondicional apoyo de la crítica, han llegado a ser una de la más prominentes bandas de la escena indie.

Descargar disco

2009-04-22T10:43:00.002-04:00

Lado B! tiene el agrado de invitarlos a una tarde de jazz con el maestro Roberto Lecaros, quien se presentará junto a sus bandas La Tropa y Lecaros Jazz Quarter. Todo en el marco de la grabación de un documental sobre el destacado músico chileno, además de la posible edición en CD del evento.

El concierto será en la Sala Master de la Radio Universidad de Chile, ubicada en Miguel Claro 509, Providencia, muy cerca del metro Manuel Montt.

El valor de la entrada es de $3000 y el recital partirá a las 19:00 horas.

Música para flotar

2009-04-20T03:30:00.001-04:00

A.Z.C
“Señoras y señores estamos flotando en el espacio”, dice una mujer. Su voz suena como cuando desde la cabina del avión, la azafata informa del destino y las condiciones del viaje, salvo que en esta oportunidad, el recorrido comienza justo después de pulsar play.

Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space es el título de la tercera placa de la banda británica Spiritualized. Lanzado en 1997, es un disco que busca introducir a quien lo escucha en una aventura cargada de referencias al amor y el desamor, la nostalgia, el desamparo y las drogas. Un camino que deambula entre atmósferas épicas, hipnóticas y esquizoides con melodías dominadas por guitarras de rock, sonidos electrónicos y coros de gospel.

La agrupación liderada desde su formación, en 1990, y hasta hoy, por Jason Pierce (o J. Spacemen, en alusión a su anterior banda Spacemen 3), tiene en él a su hombre ancla, quien como vocalista y compositor de los temas -tanto de las letras como de las melodías-, hizo de este álbum un ejercicio de terapia personal. Un quiebre amoroso: su separación de la bajista de la agrupación, Kate Radley -quien se había casado dos años antes en secreto con el cantante de The Verve, Richard Ashcroft-, se transformó en la fuente de inspiración para un trabajo que se caracteriza por la elaboración de marcados ambientes en cada uno de sus temas, los cuales pese a diferenciarse notoriamente unos de otros, parecieran encajar perfectamente como parte de un todo: el universo Pierce.

Porque Ladies and Gentlemen... necesita ser oído de corrido y sin interrupciones, como si fuese una larga sinfonía con distintos actos que, en este caso, se inicia con la delicadeza introductoria del tema que lleva el mismo nombre del disco y que pese al conmovedor espíritu elegiaco logrado con su melodía y su particular interpretación, es desarmado por la energía de Come Together, tema que da rienda suelta a las influencias gospel de la placa.

De igual forma, destacan las monumentales I Think I’m In Love, que en poco más de ocho minutos entrega los poderosos versos de un tema sencillo en su letra, peculiar en su fraseo y potente en su interpretación; la demoledora melancolía de Broken Heart; la potente energía de Electricity, quizá la más tradicionalmente rockera de todas las canciones, y los tintes jazzeros de No God Only Religion o Cop Shoot Cop, en algunas secciones de sus 16 minutos.

En definitiva, un álbum esencial en el sonido de la escena inglesa de los 90, pero aquella que no olía a brit pop, y en la carrera de una banda que logró con este trabajo uno de sus puntos más altos. Un más que recomendable recorrido por el sonido de una agrupación acostumbrada a la creación de envolventes atmósferas y que en este disco se suceden y derriban unas a otras, como las emociones humanas. Una tableta de 70 minutos que vale la pena tomar.

Descarga el disco desde aquí

Lado B 15-04-2009

2009-04-18T19:45:00.002-04:00

Bloque 1: Disco de la semana con Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space de Spiritualized
Bloque 2: Nuevo supergroup llamado Tainted Windows
Bloque 3: Mr. Bungle
Bloque 4: Sountrack de la semana con el documental sobre la banda islandesa Sigur Ros
Bloque 5: Otro nuevo supergroup, Chickenfoot
Bloque 6: Noticia con el ciclo de lanzamiento del libro sobre el nacimiento del rock chileno "Prueba de Sonido"

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Lado B 08-04-2009

2009-04-18T19:36:00.002-04:00

Bloque 1: Disco de la semana con Metallica y su S&M
Bloque 2: Soundtrack de la semana con la cinta alemana Die Welle (La Ola)
Bloque 3: La defensa de Coldplay a la acusación de plagio por parte de Joe Satriani
Bloque 4: Comentario del recital de Kiss en Chile
Bloque 5: John Zorn
Bloque 6: Adelantos de las visitas de Heavy Trash y Oasis a nuestro país

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LADO B! 01-04-2009

2009-04-18T19:22:00.003-04:00

Finalmente se solucionaron los problemas del sitio en que alojamos el programa, así que esperamos que esto no vuelva a pasar en un buen tiempo más. En esta primera edición hablaremos de la gran cantidad de recitales que se dieron en Chile antes del inicio de la temporada 2009 de Lado B!.

Aprovechamos de darle las gracias a Pamela Ramírez y Patricio Salazar por toda la dedicación que le dieron al programa en las tres temporadas en que participaron, que tengan mucha suerte en los proyectos que seguirán de ahora en adelante, se les echará mucho de menos.

Pero en adición, le damos la bienvenida a Rodolfo Rojas, que será parte del staff de Lado B! 2009 junto a Alejandra Zúñiga y Manuel Catrilef.

Bloque 1: Peter Murphy
Bloque 2: Agua de Annique
Bloque 3: Radiohead
Bloque 4: Peter Gabriel
Bloque 5: Zu & Mike Patton y Chris Cornell
Bloque 6: Sonic Youth
Bloque 7: Iron Maiden

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Dos mundos muy similares

2009-04-12T13:55:00.004-04:00

M.C.C.

En ese entonces no eran las leyendas del Hard Rock que son ahora, sino una banda que buscaba su identidad en el mundo de la música. Fue en esa exploración en que Deep Purple se atrevió en 1969 a juntar guitarras distorsionadas y una orquesta para crear un disco incomprendido en su momento, pero que con la perspectiva que da el tiempo se la ha puesto en su justo lugar. Concerto for Group and Orchestra fue el primer intento serio y bien logrado de mostrar que la música docta no estaba tan lejana del rock.

Décadas más tarde, todo el apartado del Heavy Metal con tintes épicos (en Chile conocido como Power Metal, término algo ambiguo en otras partes del mundo) había perfeccionado lo que los ingleses iniciaron. Lamentablemente, todo el trabajo de éstas bandas lo hacía posible el estudio, pues en vivo se tenían que conformas con bases o un miserable par de teclados, que ciertamente nunca reproducirán a cabalidad las sensaciones de una orquesta.

Eso, hasta que Metallica en 1999 se atrevió a tomar su música (que ya abarcaba desde el hard rock más setentero hasta el Thrash Metal más puro de sus origenes) y mezclarla en vivo y en directo con la Sinfónica de San Francisco, produciendo lo que sería conocido como su disco S&M. Un proyecto ambicioso, caro y parafernálico que entusiasmo a los fans de la vieja escuela, que con los discos Load y Reload habían quedado decepcionados.

La conjunción del mundo del Metal y el docto estuvo a cargo de Michael Kamen, reconocido compositor de música para películas y televisión (Brazil, Hard To Die, Band of Brothers entre otros). Este personaje dirigió la orquesta y efectuó los arreglos, que le tomaron 3 meses y medio de arduo trabajo, el que finalmente se vería reflejado en un disco grandioso que superó las espectativas de todos.

Desde la obertura con el clásico The ecstasy of gold de Ennio Morriconne ya se da cuenta que el sonido grandilocuente será la característica de todos los temas. Esa sensación de estar frente a una montaña gigante es lo que produce escuchar las versiones de One, For whom the bells tolls o The call of the Ktulu. Sin lugar a dudas esta última es la que más ganó con la orquestación, si ya producía los mismos escalofríos que el relato de H.P. Lovecraft en que está basado, ahora simplemente es la transcripción perfecta al mundo musical de ese texto.

También destacan No leaf clover y Human, las canciones compuestas especialmente para la ocasión, sin ser geniales, cumplen. Los temas de la era Load salen bien parados, en especial Fuel y Bleeding me, el otro tema que se perfeccionó con los sonidos de la sinfónica.

El disco es impresionante, en especial si se mira en momento en que Metallica se atrevió a dar el paso, pues todos ya los daban como un avión en picada. Con este disco los estadounidenses no solo demostraron estar en genial forma, sino que fue el ejemplo final que la música docta y el metal tienen más puntos en común de lo que se suele creer.

Descargar aquí disco uno

Descargar aquí disco dos

Una máquina perfecta

2009-03-19T10:21:00.009-04:00

M.C.C.

Charly García es ampliamente reconocido por su carrera solista y Sui Generis. Pero en la vida artística del argentino hay otros proyectos tanto o más interesantes incluso. Es el caso de la banda que formó en 1976 y con la que sacó dos discos, La Máquina de Hacer Pájaros. En esta suerte de supergroup Charly exploró la virtuosidad técnica y compositiva en sus canciones. Por ello García se hizo rodear de gente a la altura del proyecto. Convocó al ex Pescado Rabioso Carlos Cutaía en los teclados, al guitarrista Gustavo Bazterrica, también a José Luis Fernández, fundador de la banda progresiva Crucis, y a Oscar Moro, quien había sido parte de Los Gatos, una de las agrupaciones seminales del rock argentino. En tanto Charly haría voces y teclados, siendo el hecho de tener un par de estos instrumentos en una misma banda algo bastante innovador.

Con claras influencias de rock británico (en especial Pink Floyd, Yes y Genesis), el sonido de este conjunto se alejaba del hippismo de Sui Generis para adentrarse en el rock progresivo con tintes sinfónicos (y algún dejo de hard rock a lo Deep Purple), un campo poco explorado incluso hasta el día de hoy en esta parte del mundo.

Las melodías extremadamente armoniosas y el cuidado trabajo vocal que son el sello característico en el trabajo de Charly García aquí se ve potenciado por la notable ejecución de los instrumentos y por la cantidad de arreglos, ya sea en la batería, teclados o guitarra, cada músico tiene su tiempo y espacio para hacer de las suyas. De ahí que el estándar de canción de 3 minutos no sea una constante en el disco, pues ciertamente limita la licencias creativas que abundan en el álbum.

En este trabajo es donde más se nota la capacidad del oído absoluto que tanto los músicos argentinos admiran de Charly, además de demostrar su virtuosidad como instrumentista, que siempre ha estado más bien escondida en sus trabajos más masivos.

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El otro Stoner

2009-03-17T19:40:00.006-04:00

M.C.C.

Para los más puristas, solo ha existido un grupo de Stoner: Kyuss. Y quizás algo de cierto hay en eso, pues varios de los herederos de la banda de California también suelen ser clasificados en el otro hijo directo de los sonidos de Black Sabbath, el Doom Metal. Pero más allá de lo complicado de la definición del estilo, lo que si es claro es que tuvo su cuota de importancia en la escena underground de Estados Unidos de la primera mitad de los '90, donde quedó relegado a un segundo plano por el boom del Grunge.

Y entre los grupos más interesantes que aparecieron en esos años, estaba Fu Manchu. A diferencia de las lisérgicas melodías y letras de Kyuss, estos otros californianos tenían un estilo más lúdico. Ejemplo patente de aquello es el mismo nombre del grupo, tomado de un personaje oriental (una parodia ridícula para ser precisos) de las novelas policiacas de Sax Rohmer, que también fue llevado a los comics y películas de bajo presupuesto.

El disco The Action is Go (1997) muestra precisamente el lado más divertido de la agrupación. Skateboarding, mujeres, ovnis y cosas de ese tipo abudan en sus líricas, además de un ritmo muy juguetón, o saltón si se quiere. Aquí el pedal wah wah para la guitarra ocupa un lugar de privilegio, el sonido acuoso hace sentir que todo es menos serio, que realmente se está en una fiesta en la playa. La voz de Scotr Hill ayuda sin lugar a dudas, con ese tono desprolijo, que da la sensación de estar cantando con una sonrisa que se puede transformar en carcajada. Si bien la presencia de la distorsión seca para el bajo característica del Stoner también está, no es la predominante.

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Un jardín poco fértil

2009-03-17T14:10:00.006-04:00

Manuel Catrilef Cea

Iron Butterfly fue una banda que tuvo varias oportunidades de transformarse en un ícono a la altura de Led Zeppelin o Deep Purple. Con músicos talentosos, en pleno periodo del "flower power" y con una canción asquerosamente pegajosa y original en aquellos años, el grupo estadounidense se encargó se desperdiciar el potencial que tenían.

Su segunda placa, In-A-Gadda-Da-Vida (1968), es un buen ejemplo de aquello. Con un single poderoso, el resto de los temas parecen demasiado débiles. No es que sean malos, pero al lado de la canción que le da el nombre al disco, parecen piezas demasiado simples y muy "happy" comparadas con la monstruosidad de 17 minutos, con largos solos y un aire de psicodelia oscura. Una pieza única rodeada de sonoridades más comunes.

Tal fue el impacto de In-A-Gadda-Da-Vida, que estuvo cerca de 1 año en el top ten de canciones en Estados Unidos, lo cual le permitió a la banda la posibilidad de estar en Woodstock. Pero los miembros del grupo no encontraron mejor momento que pelearse en el aeropuerto en su arribo a New York, ergo, no tocaron finalmente en el festival de la paz y amor.

Esa fue la última metida de pata de Iron Butterfly, antes de ser ignorados con su siguiente disco, y pasar a la posteridad al aparecer como una constante referencia en la cultura pop estadounidense (Los Simpsons, House M.D., Quantum Leap han usado el tema, entre varios otros).

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LADO B! Especial Covers

2009-03-16T15:12:00.004-04:00

Siguiendo con la puesta al día del blog, ahora es el turno del último programa que presentamos en enero. En tanto, anunciamos que Lado B! vuelve con programas nuevos el próximo 1 de abril.

Bloque 1: Disco de la semana con Ministry y su placa Cover up de 2008
Bloque 2: The Dubliners, Thin Lizzy y Metallica haciendo Whiskey in the Jar
Bloque 3: Marilyn Manson haciendo bizzaras versiones de Golden Years (David Bowie), Iron Man (Black Sabbath) y The Kkk Took My Baby Away (The Ramones)
Bloque 4: Message in a Bottle de The Police en manos de Machine Head e No Doubt haciendo dupla con Incubus
Bloque 5: Blag Flag, Iggy Pop & The Stooges y The Kingsmen versionando Louie, Louie, original de Richard Berry
Bloque 6: Metallica nuevamente, pero esta vez cubriendo a Nick Cave & The Bad Seeds con la intensa Loverman
Bloque 7: El hip hop y el rock se encuentran con la nuevas versiones de Anthrax y Korn junto Xzibit para Bring The Noise y Fight The Power, respectivamente. De bonus Limp Bizkit con Faith de George Michael.

Para llegar a cada bloque solo deben usar el botón adelantar, de esta manera, cada vez que lo presionen avanzarán un segmento del programa.

LADO B! Especial Rock Latino

2009-03-16T12:20:00.005-04:00

Más de dos meses han pasado desde la última actualización y pedimos disculpas. El encargado de hacerlo estaba en un viaje de restiro espiritual que lo llevó al nirvana mismo, para ahora volver a estar con los mortales (aunque en realidad lo tenemos cual simio amaestrado que es)

Así que para empezar a ponernos al día les dejamos el especial de rock latino hecho en la penultima semana de enero. Entre hoy y el miércoles estaremos con los discos de la semana que les debemos y los programas que faltan.

Bloque 1: Disco de la semana, La Máquina de Hacer Pájaros con su disco homónimo de 1976
Bloque 2: Gauchos de acero
Bloque 3: Ricardo Iorio (líder de Almafuerte)
Bloque 4: El Tri
Bloque 5: Puya
Bloque 6: Los álamos
Bloque 7: Jaguares

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Lado B Videos: Angelo Pierattini y Las Calaveras Errantes

2009-01-21T13:19:00.003-03:00

Tarea Pendiente: Los dejamos con la entrevista realizada por el equipo de Lado B a Angelo Pierattini en las bambalinas de lo que sería su presentación en el Galpón Víctor Jara en diciembre pasado.

El músico, quien se está despidiendo de más de una década de rock junto a Weichafe, nos habla acerca de su trabajo solista junto a su nueva banda Las Calaveras Errantes y los desafíos que vienen de aquí en adelante.

Saludos!

PD: Disculpas por lo oscuro de la imagen en vivo!!

LADO B! 14-01-2009 (Especial Stoner Rock)

2009-01-15T22:29:00.003-03:00

Bloque 1: Disco de la semana con Fu-Manchu y su The Action is Go
Bloque 2: Kyuss
Bloque 3: Pentagram
Bloque 4: Electric Wizard
Bloque 5: Down
Bloque 6: Spirit Caravan
Bloque 7: Wolfmother

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LADO B! 07-01-2008 (Especial One Hit Wonders)

2009-01-11T12:24:00.004-03:00

Bloque 1: 4 Non Blondes
Bloque 2: Disco de la semana con In-A-Gadda-Da-Vida de Iron Butterfly
Bloque 3: Spin Doctors
Bloque 4: 311
Bloque 5: Crash Test Dummies
Bloque 6: Elastica
Bloque 7: Ugly Kid Joe

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Los mejores discos de 2008 (según Lado B!)

2009-01-04T09:35:00.011-03:00

Manuel Catrilef Cea

Una lista de lo mejor, en lo que sea, tendrá como característica la arbitrariedad. En música esto se acentúa más debido a la enorme cantidad de sonidos nuevos que surgen actualmente. No es como en los 60'o 70' en que tener una banda costaba más, ahora la cantidad de artistas nuevos ha crecido exponencialmente por la facilidad para adquirir instrumentos y la gran vitrina que significa internet para difundir sus creaciones sin tener que pagarle un peso a nadie para aquello.

Por lo mismo, la lista que verán a continuación no quiere ser un absoluto y, en definitiva, es lo mejor que cada miembro del programa escuchó en el año dentro de sus posibilidades.

Esperando que no nos quieran degollar, he aquí el listado (sin ningún orden específico):

B.B. King - One Kind of Favor: Cuando a principios de años pensábamos que la salud del último de los legendarios guitarristas de Blues no le iba a permitir volver a grabar, en octubre nos demostró lo equivocados que estábamos. En este disco King y su Lucille sorprenden primero porque se alejó de la idea facilista de tener invitados para hacer más rimbombante el disco, es solo él y su banda. Lo segundo es que se alejó de los sonidos más elegantes de Mississippi para coquetear con el blues de Chicago, más rústico y libertino si se quiere. Y por último, consecuencia de lo anterior, aquí deja de lado de esa mezcla de sonidos pop con el blues para hacer un álbum de género puro, interpretado exquisitamente y que dan cuenta que los 83 años del maestro se canalizan con toda su experiencia en esta placa.

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Weezer - Weezer (The Red Album): Los nerds y sus guitarras vuelven al ruedo un disco que deja en claro que la banda es más que la figura de Rivers Cuomo. Aquí podemos escuchar por primera vez composiciones de los otros integrantes del grupo que están a la altura de las composiciones del otrora "dictador" de Weezer. Con una duración, tanto del disco como de los temas, más largos de lo habitual, en The Red Album se puede encontrar la habitual diversión y melancolía por partes iguales, pero hay algo de evolución sonora, no es el rock de guitarras fuertes y melodías pop de siempre, por ahí nos encontramos con arreglos que salen de esa norma y que hacen que no sean una copia de sí mismos.

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Calexico - Carried To Dust: Retomando esa fusión de sonidos del folklore mexicano con el country, folk y su dejo de post-rock, la banda oriunda de Arizona entrega un disco rico en la creación de ambientes y que se deja escuchar. No es de esas placas que despliegan energía catarquica destajo, es exactamente lo opuesto, un álbum que es para oír y prestar atención a lo que se cuenta y cómo se cuenta. Sin ser puramente rock, por lo mismo difícil de digerir para el oyente promedio, la originalidad que sea crea a partir de raíces musicales de distintas culturas es lo que hace valorable a este disco.

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Protest The Hero - Fortress: Junto a bandas como Avenged Sevenfold, Lamb of God, Raunchy y For The Fallen Dreams, los canadienses con su segunda placa son de la camada de bandas que han renovado al metal. Metiendo en una juguera el nivel técnico de composición de Dream Theater, la esquizofrenia interpretativa de The Mars Volta, (quizás sin querer) el notable sentido de la melodía de My Chemical Romance y su sabor a Death Metal con las voces guturales, Protest The Hero es de lo más refrescante que se puede escuchar en la música más dura. Tomando en cuenta la juventud de los integrantes (que se nota en la intensidad de cada tema), solo se pueden esperar grandes cosas de estos chicos. El metal lo agradece.

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AC/DC - Black Ice: Nadie conoce mejor la fórmula de rock de la vieja escuela que Angus Young y compañía. Sin sorprender, salvo algunos arreglos y por lo extenso del disco, lo que maravilla de la nueva placa es que la fórmula siga funcionando y enganchando a gente de 50 años como a quinceañeros. Sencillamente no aburre que desplieguen casi los mismos trucos que con Back In Black o Ballbraker. Tomando en cuenta que prácticamente todos los referente del rock clásico están disueltos, muertos o tratando de reinventarse, AC/DC se mantiene fiel a sus raíces y a lo que saben hacer: rock 'n roll fiestero como nadie más.

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R.E.M. - Accelerate: Una de las bendiciones de este año. Primero porque el disco sirvió de excusa para que vinieran por primera vez a Chile y segundo porque hacía falta que la banda volviera a rockear como en sus mejores tiempos. Después de jugueteos con la electrónica y un abuso de la balada no-romántica en sus discos anteriores y que a nadie convencían mucho, las guitarras distorsionadas vuelven a formar parte de su repertorio. Sin ser el disco más bullicioso de la historia -"No somos Metallica", declararía Michael Stipe- claramente se nota que recordaron sus raíces ligadas al punk, e impregnándose se la energía juvenil de ese estilo y del talento natural de la banda para crear canciones bien melódicas, consiguen crear un disco redondo, tanto en lo musical como en las letras, siempre políticas en su caso.

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The Mars Volta - The Bedlam in Goliath: Otra banda que nos visitó el año pasado y que despachó un disco marcado por el complejo nivel de composición, la impredecible progresión de las estructuras y esa característica sonoridad enfermiza. Jugueteando con el metal, pero marcado principalmente por lo progresivo, elementos de música latina y esa incesante esquizofrénica voz de Cedric Bixler-Zavala, el aparente caos de The Mars Volta es un despliegue de energía que revasa lo acostumbrado en el rock. Respiros hay pocos y para escuchar un disco así hay que ir con la mente predispuesta a no oír una estructura predecible en los temas. Omar Rodríguez-López con su guitarra y el resto de la banda arriesgan bastante y no están para oídos complacientes.

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Metallica - Death Magnetic: Quizás solo Chinese Democracy se podría equiparar con este disco como la placa más esperada del año. Metallica había prometido que volverían a retomar el espíritu de discos como Master of Puppets y And Justice For All, algo que tanto fanáticos como la prensa querían después del giro que dieron desde Load en adelante. Además, tenían detrás al rey midas del rock, el productor Rick Rubin, quién ya había logrado encaminar por la senda correcta a otros Thrashers de la vieja escuela como Slayer. Y Death Magnetic fue todo lo que prometió, un disco puramente metalero, que por los contantes quiebres, duración de los temas y complejidad recuerdan a And Justice For All por todos lados. Grandes solos de guitarra por parde de Hammet, baterías aceleradas, Hetfield carraspeando y gritando como nunca, quizás solo el bajo de Robert Trujillo no se luce como debiera, pero eso termina siendo un detalle. Metallica volvió con una agresividad que sorprendió a todos, volviendo a tener el respeto que nadie les debió haber perdido.

Descargar aquí y aquí

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LADO B ESPECIAL DISCOS DEL AÑO

2008-12-31T16:11:00.003-03:00

Última edición de 2008 y los integrantes del programa escogimos, según el criterio de cada uno, las mejores placas. A ver si concuerdan con nosotros:

Bloque 1: B.B. King - One Kind of Favor
Bloque 2: Protest The Hero - Fortress
Bloque 3: The Mars Volta - The Bedlam in Goliath
Bloque 4: AC/DC - Black Ice
Bloque 5: R.E.M. - Accelerate
Bloque 6: Metallica - Death Magnetic
Bloque 7: Calexico - Carried To Dust
Bloque 8: Weezer - Weezer (The Red Album)

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2008-12-28T10:07:00.004-03:00

Manuel Catrilef Cea

El concepto Unplugged se lo apropió MTv hacia finales de los '80 cuando gente como Jethro Tull, XTC y Bon Jovi hicieron presentaciones acústicas que tuvieron gran respuesta del público, por lo que la cadena televisiva, como buena empresa que es, decidió explotar la idea de llevar músicos a sus sets para "desenchufarse".

Desde ese entonces, el concepto Unplugged es casi indisociable de la televisora, pero la idea misma de realizar este tipo de presentaciones no es propio de la cadena de cable y se venía haciendo de un buen tiempo atrás. Sin llegar más lejos, Elvis Presley lo hizo en 1968 con su Comeback Special, además el guitarrista de The Who, Pete Townsend, también lo haría para una serie de conciertos de Amnistía Internacional.

Lo que parecen ideas originales no pueden estar más lejos de serlo, es simplemente retomar la forma seminal del rock: el nacimiento del Blues. El género padre originalmente se tocaba con guitarra acústica porque era a lo más que podían aspirar a tener los esclavos negros para desahogarse a finales del siglo XIX y principios de la siguiente centuria. Pensando en la misma línea del inicio musical, en cierta manera el fenómeno sigue hasta el día de hoy: cualquier chico o chica que se empieza a interesar en la música lo más seguro es que empiece a meterse en el lenguaje musical con la guitarra de palo que hay botada en el rincón de la casa. Lo acústico es sinónimo de principio hace más de cien años y en la actualidad.

Por eso, de una forma tanto histórica o como social, el que los músicos de renombre dejen la electricidad de lado un rato representa, quizás de manera inconsciente, volver a la raíz del rock, ya sea emulando a los bluseros originales o para volver al punto donde se inició en la música. Y los melómanos somos quienes terminamos disfrutando y agradeciendo aquello.

Debido a esto es que les dejamos siete discos que son un buen ejemplo de lo que es hacer un disco Unplugged. Algunos son históricos como el Folk Singer de Muddy Waters, un verdadero encuentro con sus génesis musical; The Official Bootleg de Paul McCartney que se reencontró con varias canciones de The Beatles y que fue el impulso definitivo para los desenchufados de Mtv; Unplugged de Los Tres, el primer disco acústico de una banda chilena para el canal de cable; Korn experimentando nuevamente, mostrando que el new metal puede tener más de una interpretación, etc.

Jimmy Page & Robert Plant - No Quarter: Descargar aquí

Incubus - Mtv Acoustic: Descargar aquí

Stevie Ray Vaughan - Unplugged and Jamming: Descargar aquí

Muddy Waters - Folk Singer: Descargar aquí

Korn - Mtv Unplugged: Descargar aquí

Paul McCartney - Unplugged (The Official Bootleg): Descargar aquí

Los Tres - Unplugged: Descargar aquí

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LADO B! 24-12-2008

2008-12-25T13:23:00.003-03:00

Poniéndonos algo a tono con las fechas, en esta ocasión hicimos un especial de música desenchufada

Bloque 1: Disco de la semana con el MTv Unplugged de Los Tres
Bloque 2: Korn
Bloque 3: Muddy Waters
Bloque 4: Paul McCartney
Bloque 5: Stevie Ray Vaughan
Bloque 6: Incubus
Bloque 7: Robert Plan & Jimmy Page

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Ex vocalista de Marillion se aleja de la música

2008-12-23T09:12:00.004-03:00

Gigwise/M.C.C.

"Con toda honestidad. Tengo 50 años, fumo, bebo, tengo una colorida historia, he cantado en cerca de 1700 conciertos por más de 27 años y he hecho el triple de entrevistas. Es como estar parado en la M1 (una carretera en Inglaterra) y esperar no ser golpeado por un auto". Con esa franqueza que solo dan los años, Fish no se sorprende por su actual problema de salud.

Hace poco, luego de hacerse una biopsia, sus médicos descubrieron que tenía un "crecimiento irregular de células" en su garganta, lo que en palabras simples es un principio de cáncer. Debido a aquello el ex líder de Marillion se tomará a lo menos 6 meses fuera de toda actividad musical para superar su condición. "Me gustaría pensar que puedo tocar en algún festival en el verano de 2009, pero no hay planes para tours hasta el 2010. No tengo siquiera contemplado un álbum hasta el final del próximo año (...) Todo depende de lo que pase en las siguientes semanas", afirmó Fish.

Lamentable noticia, sobre todo porque la carrera solista de Fish ha sido tan interesante como su etapa previa en Marillion, y las presentaciones que ha ofrecido en Chile (2001 y 2005) han estado a la altura de su trayectoria. En el intertanto, les dejamos lo que es considerada la mejor placa de los británicos en su etapa ochentera, Misplaced Childhood (1985).

Descarga aquí

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Metal de otro mundo

2008-12-19T19:30:00.006-03:00

Manuel Catrilef Cea

Para la escena metalera, innovar no siempre es algo intrínsicamente bueno. Es cosa de ver las opiniones sobre la era Load de Metallica o los discos X-Factor y Virtual XI de Iron Maiden para darse cuenta que cualquier inclusión o acercamiento a géneros ajenos a lo tradicionalmente metalero es casi asegurarse el rechazo de buena parte de los adeptos al estilo.

Nuestro país no es la excepción. El noventa por ciento de la bandas de este lado del mundo son una continuidad de los sonidos que se generan afuera, en muchos casos con resultados notables como son los chicos de Nuclear, por ejemplo. Lo cual no es ilógico, tomando en cuenta que si creces escuchando cosas de afuera, lo más seguro es que si te dedicas a la música termines haciendo algo similar por las influencias.

Pero de vez en cuando, hay gente que se atreve a salirse del metro cuadrado en que se suele mover, no para renegar de su pasado, sino que para formar un futuro. Dorso ha sido de los mejores ejemplos en Chile y su disco Espacium es una prueba más que no están dispuestos a quedarse en la comodidad de repetir siempre la misma fórmula.

La última placa de la banda de Rodrigo "Pera" Cuadra es de lo más notable que ha entregado la escena metalera de nuestro país. Con una base de Thrash-Death Metal pesadísima, las canciones están aderezadas con una notable combinación de otro géneros. Hay elementos jazzisticos que recuerdan tanto a Christian Gálvez como a Bela Fleck, en especial en el apartado de la guitarra, Yamal Eltit y Álvaros Soms se lucen simplemente. En tanto que la inclusión de secuencias electrónicas (teclados y baterías en particular) no quitan peso o incomodan, están en los lugares precisos y con una duración exacta que no hacen perder jamás el peso a la canción, y menos llevarla hacia el tan temido lado del pop.

El "Pera" con su habitual voz de demente pasada por algún tipo de distorsión y los sonidos machacantes del nuevo batero Fran Muñoz le dan esa habitual impronta algo demencial a la música de Dorso. Y a eso hay que agregar la particular temática del las letras del disco (que siempre en la banda han tenido alguna relación con el cine de ciencia ficción o terror de bajo presupuesto) que aporta su toque de locura: Un viaje espacial plagado de encuentros con seres monstruosos de otros planetas. No serán las mejores líricas de la historia, pero son absolutamente coherentes con la experimentación en el álbum. Además, no nos veamos la suerte entre gitanos, muchas leyendas del metal extremo no se caracterizan por tener buenos textos (Cannibal Corpse y Gorgoroth son buen ejemplo) y nadie se los enrostra.

Riff ganchéramente pesados, experimentación y solidez es lo que ofrece Espacium, que si es que hay que ponerle algún rótulo, sería Metal Industrial o Metal Avant-Garde y del bueno. Si 10 años se demoraron en sacar un disco con material nuevo de esta calidad, hay que dejar que se tomen su tiempo, claramente cosas así no se pueden sacar todos los días.

Descargue aquí

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LADOB! 17-12-2008

2008-12-18T14:01:00.002-03:00

Bloque 1: Disco de la semana con la última placa de Dorso, Espacium.
Bloque 2: Noticia sobre el cierre de los míticos estudios de grabación Olympus en Londres
Bloque 3: Entrevista con la banda chilena de blues El Cruce
Bloque 4: Comentarios sobre lista de la página Guitar World sobre los 100 peores solos de guitarra
Bloque 5: Álbum solista de Brian "Head" Welch, ex guitarrista de Korn
Bloque 6: Entrevista a Angelo Pierattini, ex Weichafe, sobre su nuevo proyecto musical
Bloque 7: Venida de Peter Murphy, ex vocalista de Bauhaus, a Chile

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El fresco y bullicioso funeral de Arcade Fire

2008-12-15T12:15:00.008-03:00

Alejandra Zúñiga Cárdenas

Influencias musicales le han colgado hasta el cansancio, desde Neil Young pasando por Roxy Music, Talking Heads, Flaming Lips y David Bowie, quien reconoció su fanatismo al escuchar el primer disco de esta banda que se alzó como una especie de fresco y bullicioso nuevo aire para la escena canadiense. Funeral era el nombre de esa placa y fue lanzado el 2004, provocando el reconocimiento inmediato de su trabajo.

Aunque Arcade Fire atrae desde un inicio por una serie de, a estas alturas, lugares comunes sobre sí, como la gran cantidad de músicos en escena y la enorme variedad de instrumentos que incluyen cada una de sus canciones -violines, acordeones, pianos, guitarra, bateria y un largo etcétera-, así como las ya mencionadas influencias musicales, muy por lo demás ciertas, lo interesante de esta banda es la capacidad que han tenido para elaborar un sonido que no se jacta de ser único ni pionero, sino que por el contrario, destaca por lograr ese mismo efecto gracias a una ensamblada unión de elementos tomados sin pudor de muchas partes, así como también por carecer de vergüenza y soberbia, lo que es llevado a su máximo ejemplo cuando la banda se sube a un escenario: energía a borbotones que mezcla desenfreno, alegría y hasta inocencia, una escena que al igual que sus canciones funde al público en los distitos estados de ánimo del universo Arcade Fire.

Así, estos canadienses formados en Montreal en 2003 debutaron hace cuatro años con el que es considerado uno de los mejores primeros álbumes del último tiempo. Una placa que hacía alusión en su título a una lista de fallecimientos que habían rondado a los distintos integrantes de la banda, pero que contrario a lo que podría esperarse, no es un álbum lúgubre ni sombrío sino que en cambio, apela a una suerte de rabia por la pérdida junto a la alegría del recuerdo, ¿qué más humano que eso?

Funeral es una sucesión de temas donde se hace patente el talento musical y "literario" de la agrupación liderada por el matrimonio conformado por Win Butler y Régine Chassagn, en los cuales la elaboración de ambientes, casi como si cada uno de los temas fueran pequeños cuentos gritados, declamados o susurrados por esta dupla, nos pasea por fábulas de muerte, pérdida, enfermedad, crecimiento y renovación, todo envuelto en una conciencia épica de distintos alcances como aquella más rockera y desatada de Neighborhood 1 (Tunnels) y Neighborhood 3 (Power Out) o dramáticas como Crowne of Love y Wake Up, uno de los temas más desarmantes del disco tanto por su melodía como por su letra, que actua como una dolorosa procesión del paso a la adultez a la usanza de un antiguo coro griego, y que recuerda en ciertos pasajes a ese Bowie que Arcade Fire homenajea y junto al cual han interpretado este tema en más de una ocasión.

Un disco para contemplar el paso del tiempo desde la vereda de la no complacencia. Un ejercicio de catarsis musical que pone a este disco debut y a la agrupación general, en un lugar privilegiado de la música actual.

Descargar aquí

Lado B 10-12-2008

2008-12-13T21:57:00.003-03:00

Bloque 1: Popurrí de noticias con el Rockodromo, Yajaira y El Cruce
Bloque 2: Conmemoración de la muerte de Dimmebag Darrel
Bloque 3: Nuevos discos de Testament y Napalm Death
Bloque 4: Disco de la semana con Arcade Fire y su placa Funeral
Bloque 5: Entrevista con Manuel García por sU concierto eléctrico junto a Cuarto de Trébol
Bloque 6: Nueva gira por el sur de Alejandro Silva
Bloque 7: El recién salido nuevo disco de Scott Weiland y sus declaraciones respecto al futuro de Stone Temple Pilots

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Regresa A Perfect Circle

2008-12-09T17:11:00.006-03:00

Blabbermouth/M.C.C.

Maynard James Keenan decidió darle vida nuevamente a lo que fue su primer proyecto fuera de Tool. En declaraciones a una radio el pasado fin de semana, el vocalista declaró que está trabajando junto al guitarrista Billy Howerdel para crear nuevos temas para la banda. Eso sí, no serían para un disco propiamente tal en primera instancia. "Dudo que hagamos una gira o un álbum completo... Nos concentraramos en hacer uno o dos temas a la vez antes que invertir tiempo, dinero y esfuerzo en uno de discos de plásticos que nadie toma en cuenta después", expresó Maynard.

El disco de debut de A Perfect Circle llamado Mer de Noms fue muy bien recibido por la crítica por explorar más en profundidad el lado pop-melancólico de Tool. Lamentablemente, las siguientes dos placas de la banda (Thirteenth Step y Emotive) no pudieron estar a la altura.

Debido a eso, les dejamos el primer LP de APC para que lo disfruten.

Descarga aquí

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Para ustedes....

2008-12-05T11:16:00.004-03:00

Esta semana se cumplieron 4 años desde que partió LADO B! y en vez de aburrirlos con un discurso largo de lo gratificante que es hacer un programa de rock sin esquemas impuestos, queremos dejarles un regalo de aquellos. Aquí tienen ocho presentaciones de cada uno de los artistas que presentamos en la edición radial. Algunos son los recitales que hicieron en nuestro país, otras por razones de calidad de sonido, son en otras latitudes.

Sin más preámbulos:

Metallica, Santiago, Mayo de 1999: Descargar aquí

The White Stripes, Estonia 2005: Descargar aquí

G3, Live in Tokyo 2005: Descargar aquí

Jarvis Cocker, Paris 2007: Descargar aquí

Slipknot, Phoenix Arizona 2005: Descargar aquí

Pearl Jam, Santiago 22 y 23 de Noviembre en Santiago 2006: Descargar aquí

Roger Waters, Santiago, Marzo 2007: Descargar aquí

Steve Vai, Alive in The Ultra World, presentaciones en varios países de la gira del disco Ultra Zone: Descargar aquí

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Yajaira en vivo!!

2008-12-04T17:18:00.004-03:00

Luego de que en 2006 sus integrantes se concentraran en sus proyectos paralelos, Yajaira vuelve a reunirse para revivir su experiencia en vivo.

Este viernes 5 de diciembre lo hará en Loreto 435, Bellavista, junto a The Ganjas desde las 22 horas, con una entrada de $2.500 pesos.

Además, el miércoles 10 de diciembre se presentarán solos en el Bar Óxido (Purísima 282, Barrio Bellavista), donde tocarán su disco de estudio de 2002 "La ira de Dios". La cita es desde las 22 horas y la entrada está a $3.000 pesos.

No se pierdan la oportunidad de ver en vivo nuevamente a esta gran banda chilensis.

Manuel García se enchufa

2008-12-04T16:54:00.005-03:00

Así es, luego de lanzarse a la veta acústica sin Mecánica Popular, el cantante y compositor Manuel García vuelve al sonido electrificado y se enchufa el próximo 8 de diciembre en el Galpón Víctor Jara, ubicado en Huérfanos 2146, Plaza Brasil.

Desde las 21 horas podrás verlo junto al quinteto de folk rock Cuarto de Trébol.

Las entradas las obtienes a través de Feriaticket (con el obvio recargo) a 5 lucas en preventa y 7 mil si las compras el mismo día.

En el próximo Lado B estaremos comentando sobre este interesante concierto.

ESPECIAL CUARTO ANIVERSARIO

2008-12-03T16:45:00.004-03:00

Cuatro años desde el primer programa y no podíamos hacer un episodio cualquiera. En esta ocasión cada miembro de LADO B! hablará sobre dos recitales que en particular le hayan marcado de alguna forma.

Bloque 1: Steve Vai con su concierto del año 2007
Bloque 2: Segunda venida de Roger Waters también el año pasado
Bloque 3: La única visita que ha hecho The White Stripes el 2005
Bloque 4: Slipknot en el velódromo del Estadio Nacional el mismo año
Bloque 5: La gira G3 del año 2006
Bloque 6: Aquellas inolvidables presentaciones de Pearl Jam el 2007
Bloque 7: El britpop llega de la mano del concierto realizado este año por el señor Jarvis Cocker
Bloque 8: Aquel lejano segundo recital de Metallica en 1999

Para llegar a cada bloque solo deben usar el botón adelantar, de esta manera, cada vez que lo presionen avanzarán un segmento del programa.

Se parte del nuevo disco de Living Colour

2008-12-02T16:05:00.005-03:00

Blabbermouth/M.C.C.

En lo que será la segunda placa de estudio que editará la banda desde su retorno discográfico en 2003 con Collideøscope, Living Colour quiere hacer partícipe a cualquier mortal de ella, pero no en lo extrictamente musical. La banda invita a que todo el mundo envíe alguna imagen de su propia autoría (puede ser dibujo o fotografía) para que sea el arte de su nueva placa titulada "The Chair in the Doorway".

Respecto al denominación del disco, el guitarrista Vernon Reid dijo: "lo que me gusta del nombre del álbum es que es una imagen concreta y una cosa muy real, pero... ¿Por qué hay una silla en la entrada? ¿Qué significa? Es completamente abstracto".

Hay plazo hasta el 28 de febrero de 2009 para enviar tu propuesta. Más información en http://www.myspace.com/livingcolourmusic

En tanto, les dejamos un disco de grandes éxitos de Living Colour para que disfruten.

Descargar aquí

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El galope desatado de Patti

2008-12-01T12:05:00.003-03:00

Por Pamela Ramírez R.

"Jesus die for somebody's sins but not mine" (Jesús murió por los pecados de otros, pero no los míos) reza con tono desafiante Patti Smith en "Gloria", la obertura del que sería su primer álbum, lanzado en 1975 y titulado "Horses". Frase que hasta hoy resuena en los oídos rebeldes, tal como la entrada al rock & roll de esta mujer desaliñada e imponente, que en nada quería parecerse al estereotipo de la mujer frágil, objeto y complaciente que hasta hoy destacan en la industria musical.

La portada de "Horses" no puede tomarse sólo como una fotografía tomada por el famoso Robert Mapplethorpe, sino como una especie de manifiesto estético, una de las facetas del discurso contracultural de la Smith, develado además en sus letras, música y actitud contestataria. Elementos que la llevaron a ser nombrada "la abuela del punk", por ser una clara influencia y una de las semillas iniciales para la escena que surgiría a fines de los setenta. Pero, títulos fuera, Patti Smith trasciende a las categorías que tanto gustan a la prensa, y por sí sola se sustenta como una artista completa y única.

El "Horses" fue la primera muestra en estudio, donde desde un comienzo se marca un estilo al momento del cantar-recitar de sus temas, con su voz despreocupada y rasposa, la cual potencia ese trance cercano a lo onírico llamado "Land" o más conocido como "Horses", con versos de "Land of a Thousand Dances", del compositor y cantante Chris Kenner. La canción es una de las más conocidas del repertorio de Smith, con sus espasmódicas letras que nombran "horses, horses" y que Johnny Rotten de los Sex Pistols llamaría "horshit, horshit" al ver a Patti Smith y su banda en su primera visita a Inglaterra. Una pequeña señal de que aún al ser nominada la abuelita del punk, la propuesta de la Smith era vista como algo más sofisticado para el desparpajo punketa de los Pistols.

En "Horses" Patti Smith está más conectada con la poesía de un Bob Dylan, la libertad y experimentación de un Jimmy Hendrix, por ejemplo, sintetizados con la energía e intensidad de la propia cantante y compositora. Así que los invitamos a escuchar este álbum que desde ya pueden descargar Aquí!

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Saludos!!

LADO B 28-11-2008

2008-11-29T17:07:00.005-03:00

Bloque 1: Disco de la semana con Horses de Patti Smith
Bloque 2: Chileno entre los 50 mejores de concurso de guitarras Dean
Bloque 3: Visita de dos supergroups de tributos, HAIL! y Big Noize
Bloque 4: Festival de documentales musicales In-Edit
Bloque 5: Popurrí de noticias con Perrosky, Muse y otros
Bloque 6: Bloqueo del gobierno chino al nuevo disco de Guns 'N Roses, Chinese Democracy
Bloque 7: Anuncio de concierto en Chile de la legendaria banda Ten Years After

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Posible reunión de Blur

2008-11-26T19:11:00.006-03:00

Musicradar/M.C.C.

Si bien los proyectos solistas de Damon Albarn y Graham Coxon han sido interesantes, ninguno ha tenido la repercusión de Blur. Lo último que escuchamos de la banda inglesa fue ese aceptable (nunca más que eso) disco llamado Think Tank en 2003 (a esas alturas el guitarrista ya había dejado el grupo), que demostró cierto desgaste del grupo y que hacía necesaria la pausa.

Pero el tiempo ha pasado y el colorin vocalista en medio de una entrevista sobre la adaptación de una leyenda china a la ópera en la cual él trabaja (Monkey: Journey To The West) dejó entrever que es inminente el regreso del conjunto: "Blur sin duda va a ensayar y veremos si estamos para eso", fueron sus palabras.

De esta forma se abre el apetito de muchos en Chile que se quedaron con las ganas de verlos el 99', cuando le hicieron el quite a nuestro país porque había cierto caballero detenido en una clínica en Londres y la embajada de Inglaterra les recomendó salterse nuestra angosta faja de tierra por temor a que fueran maltratados por estos lares.

Personalmente, no sé si iría a un recital de Blur, pero creo que así como varias bandas que marcaron a muchos en los '90 se han dignado a venir a pagar su deuda en esta década, Albarn y compañía tendrían que hacer lo mismo, muchos lo exigen.

Por mientras les dejamos un recital de Blur efectuado en noviembre de 1999 en el estadio de Wembley.

Descargar aquí.

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Navidad de Metal

2008-11-25T17:04:00.005-03:00

Bravewords/M.C.C.

Más allá de si uno es católico o no (en mi caso soy ateo), algunas de las costumbres de esa religión las terminamos conmemorando ya sea porque el entorno familiar lo hace o porque sirven de excusa para el fin que cada uno crea conveniente. Incluso la gente que uno piensa que es la más ruda del mundo, también se da un tiempo para celebrar estas fechas. Es así como un buen puñado de leyendas del metal se unieron en un disco para conmemorar la navidad, pero de manera bien ruidosa con el disco "We Wish You A Metal Xmas And A Headbanging New Year".

Dio, Tommy Iommi, "The Ripper" Owen, Lemmy y un montón de otros próceres del rock más duro interpretan a su manera clásicas canciones navideñas, que en su mayoría pertenecen al mundo anglosajón.

Descargar disco aquí

Además, les dejamos el video promocional del disco para que se hagan una idea.

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Cuando la Rutina no Aburre

2008-11-24T01:01:00.002-03:00

Por Patricio Salazar

Lo bueno de que el Rock And Roll sea un invento relativamente nuevo sobre la faz de la tierra (la verdad es que 60 años es la nada misma), es que aún podemos deleitarnos con los exponentes más grandes del género. Muchos de los que han dado forma a la bestia andan dando vueltas por ahí, con muchas ganas de decir algo más.

Por ejemplo, la gente de Led Zeppelín planea reunirse una vez más para salir a “romperla” como antes, Cream el año pasado dio cuenta de su calidad con una serie de conciertos, Metallica destruyó varios records con la salida de su nuevo disco, etc, por lo que los seguidores de este tipo de música podemos seguir disfrutando de los más grandes.

El turno ahora de es AC/DC. Los australianos acaban de lanzar su disco “Black Ice” que es una dosis a la vena de “vieja escuela”. Ese rock riffero, marca registrada de la mano derecha de Malcolm Young, que invita a caminar con “groove” por la vida mientras se le guiña el ojo a cuanta muchacha se cruce por delante.

Los solos de Angus Young, la otra cabeza de este monstruo, siguen siendo electrizantes y obligan a agarrar cualquier cosa que se asemeje a una guitarra para empezar a saltar por la pieza haciendo el “Paso del Pato” con los ojos cerrados para lograr sentir esas líneas melódicas en su real dimensión.

Y para que ahondar en la ya característica voz de Brian Johnson, quien termina de dar la identidad a la agrupación con ese constante tributo al sello impuesto por Bon Scott, allá por la década de los 70. Lejos lo mejorcito que han sacado en varios años y esa es la gracia, para los que nos perdimos la salida al mercado de “Back in Black”, ahora podemos escuchar un gran trabajo de una tremenda banda en vivo y en directo.

Obviamente no se puede esperar que AC/DC hayan renovado su repertorio de sonidos, cosa que tampoco es necesaria para esta banda. Ellos son de los pocos artistas que son capaces de existir sobre si mismos. No necesitan evolucionar su sonido, porque básicamente ellos son el Rock And Roll. Es el resto de los grupos los que tienen que tomarlos como referencia para llegar más allá, mientras ellos se van convirtiendo en un pilar cada vez más sólido en esta historia.

La misión de AC/DC es decirle a las nuevas generaciones “escuchen, así se hace rock and roll… aprendan”, situación que se logra con Black Ice. El disco está lleno de pentatónicas bluseras, una que otra guitarra slide, batería relajada y esos gruesos riff por acordes llenos de onda. En una actualidad músical que pareciera reducirse a los samplers y las bases hip hop, ese disco parece ser un buen regalo para que tu hermano chico enmiende el camino para que en el futuro podamos disfrutar de música con la mis cantidad de “pelotas” como la de AC/DC.

Y como en Lado B no nos quedamos sólo en palabras, acá está el link para que puedas descargar el disco: Descargar aquí

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LADO B 21-11-2008

2008-11-22T18:07:00.003-03:00

Bloque 1: Disco de la semana con el nuevo álbum de AC/DC, Black Ice.
Bloque 2: Popurri de noticias con el Día de la Música, The Beatles y The Who.
Bloque 3: Confirmación de la venida de Opeth.
Bloque 4: Soundtrack de la semana con la cinta Blow.
Bloque 5: Anunció de un documental sobre el vocalista de Red Hot Chilli Peppers.
Bloque 6: Nuevo disco de Calexico.
Bloque 7: Adelanto de lo que será el próximo recital de Exodus en Chile.

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Una perfecta máquina de hipnosis

2008-11-16T23:38:00.006-03:00

Por Manuel Catrilef Cea

Dentro de la nueva "invasión británica" que vivió el mundo musical a mediadios de los '90, Radiohead fue la banda que más arriesgó en su sonoridad por sobre cualquier otra. Desmarcándose de la obviedad de aquel movimiento por colgarse de The Smiths o The Stone Roses, la banda de Tom Yorke tenía referentes al otro lado del atlántico, en particular el sonido del rock alternativo de finales de los '80 y comienzos de la nueva década, aquel que terminaría decantando en lo que fue el grunge, representado por bandas como R.E.M o Pixies.

Innegable es también la influencia, en aquellos años, de otras agrupaciones británicas, My Bloody Valentine y Pink Floyd son parte de la esencia y en particular de la atmosfera de las canciones. Todo lo anterior se vio incipientemente en la placa debut Pablo Honey (de 1993 y que fue opacada en sí misma por el excelente tema, a pesar de muchos, Creep), pero sería el siguiente disco que demostraría ante todos que Radiohead era más que una banda de canciones melancólicas y autocompasivas.

The Bends fue lanzado en 1995 y fue la placa que inició el embobamiento/idolatría permanente hacia la agrupación. Quizás aquellos "síntomas" se deban a que el sonido que comenzaron a patentar los ingleses a partir de este disco tiene algo de enfermizo, bipolar si se quiere, en el sentido que se encuentran momentos sumamente enérgicos, con mucha guitarra distorsionada, manifestando rabia de forma muy estilosamente británica (lejos de una bestialidad descontrolada), pero además existen otros instantes en que la música se deja llevar por cierto estado de melancolía impregnada de una buena dosis de sustancias lisérgicas. Psicodelia de finales de siglo, psicodelia que no necesita canciones de más de 4 minutos y medio para lograr engatusar.

Por todo aquello queda la duda es que si este sonido ambivalente surgió directamente de las entrañas de la banda o es algo sumamente calculado, porque siempre aparece ese grito desesperado en el momento exacto, ese punteo poco pulcro pero melódico de guitarra, esos coros conmovedores, etc. Una perfecta máquina de hipnosis.

A diferencia de lo que se pueda pensar, Radiohead está lejos de ser solo la genialidad de Tom Yorke en esa intensidad desprolija al cantar, también está el notable trabajo en la sonoridad y de los tiempos de la guitarra de Jonny Greenwood, los pequeños arreglos melódicos de la batería de Phil Selway (demostración que no hay que ser virtuoso para lograr que un batero sea más que un metrónomo) son los elementos que terminan por completar un disco que te deja prendido con la música y pensando con sus letras (pónganle atención a Fake Plastic Trees y a Black Star).

Quizás el disco no llegue a la perfección de OK Computer por culpa de temas que originalmente no estaban incluidos (High and Dry se desechó de Pablo Honey y se puso el demo que grabaron en aquella ocasión con un par de arreglos en el álbum), pero es aquí donde hay que buscar donde comenzó el incesante experimento sonoro que la banda ha seguido durante su carrera.

Descargar aquí

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Lado B 14-11-2008

2008-11-14T19:25:00.003-03:00

Bloque 1: Comentario recital de Paradise Lost y Carcass.
Bloque 2: Comentario recital de Judas Priest.
Bloque 3: Comentario sobre la participación de Mars Volta en la primera noche del SUE.
Bloque 4: Popurrí de noticias con la muerte del baterista de Jimi Hendrix, Mitch Mitchell, confirmación de recital de Iron Maiden en Chile y la posible venida de la banda de Phil Anselmo, Down.
Bloque 5: Comentario de los dos recitales de R.E.M. en Chile.
Bloque 6: Disco de la semana con la segunda placa de RadioHead, The Bends, a modo de "celebración" por la confirmación de su primer concierto en Chile.
Bloque 7: Comentario de la aparición de Jesus & Mary Chains en el SUE.

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Lado B 5-11-2008

2008-11-09T11:40:00.003-03:00

El programa de esta semana fue anticipando un poco los conciertos internacionales que ocurrieron y que no fueron pocos:

Bloque 1: Disco de la semana con The Mars Volta y su The Bedlam in Goliath
Bloque 2: Carcass
Bloque 3: Paradise Lost
Bloque 4: Jesus and Mary Chain
Bloque 5: P.O.D.
Bloqur 6: Judas Priest
Bloque 7: R.E.M.

Para llegar a cada bloque solo deben usar el botón adelantar, de esta manera, cada vez que lo presionen avanzarán un segmento del programa.

Goliath ha hablado

2008-11-06T13:57:00.002-03:00

Por Pamela Ramírez R.

Desde sus inicios e incluso si nos remontamos a algunos aspectos de su anterior proyecto At The Drive In, The Mars Volta nos ha volado la cabeza con sus composiciones que vacilan entre una desatada energía y el trance hipnótico, dualidades que van en crescendo y que por eso mismo los han acercado al rock progresivo.

Esa energía que siempre ha caracterizado a los Volta, vuelve en gloria y majestad y como protagonista en su disco lanzado en enero de 2008 "The Bedlam in Goliath". Si antes teníamos una muestra en satisfactorias dosis, ahora la intensidad del grupo liderado por Cedric Bixler Zavala y Omar Rodríguez Lopez se extiende en los 12 temas que componen el álbum. Comenzando con "Aberínkula" la experiencia Goliath no te suelta, conquistándote con la mejor síntesis de The Mars Volta, los toques latinos en sus percusiones, el alarido proyectado de Bixler y los riffs envolventes de Rodríguez López.

Sin duda, la presencia del nuevo baterista de la banda, Thomas Pridgen, le inyecta a esa energía siempre presente, una frescura que deslumbra en todo el disco, marcando el paso con dureza y toques metal a mi gusto, sin echar pie atrás, conjugándose con carácter con el resto de la banda. Ejemplos hay para regalar como en "Goliath" (lejos uno de los mejores temas de los Volta), "Ouroborous" y "Metatron". El virtuosismo de Pridgen casi se robó la película en la presentación de Mars Volta el pasado 3 de noviembre en el SUE, que ante algunos problemas técnicos pudo demostrar su solidez y dejarnos con gusto a poco por la escasa hora de show.

Cabe destacar la participación en las guitarras de John Frusciante, quien ya ha colaborado con los Volta en álbumes anteriores y que en esta ocasión le impregna un toque funk a los temas.

"The Bedlam..." mantiene el afán de los Volta por hacer que sus temas complementen un concepto o una historia. En esta ocasión el ocultismo y la mala suerte los rondó, gracias a una Ouija que Omar Rodríguez López compró en Jerusalem y regaló a Bixler, la cual usaron en giras y en el período en que desarrollaban este disco, lo que según ellos les trajo una racha de sucesos funestos, como la pérdida de material, el colapso nervioso de uno de sus técnicos, entre otros. Fuera así o no, Goliath (la tabla en cuestión) habla fuerte y claro en este disco, y a pesar de la rara suerte, provocó el mejor de los efectos para la discografía de The Mars Volta.

En fin, juzgue por usted mismo a través de nuestro link donde puede descargar este discazo, que desde ya inscribo como uno de los mejores del 2008.

No olvide escuchar Lado B todos los miércoles en vivo y en directo a través del sitio de la Radio JGM a las 19 horas (Hora de Chile). Si no puede, pase por este mismo blog y escuche en línea a cualquier hora y lugar pinchando el tag Lado B Radio.

Descargue Aquí

Saludos!

Una chica como ella, en un lugar como ese

2008-10-27T22:02:00.003-03:00

Por Patricio Salazar

En los '90 el grunge tenía héroes y fisonomías muy claras. Los chicos de Nirvana, Alice in Chains, Soundgarden, Pearl Jam, etc., eran chascones, pelilargos, rudos, depresivos y displicentes. Cualquier aspirante a este grupo debía tener en cuenta este formato, sobre todo tras la muerte de Kurt Cobain en 1994, año en que la caricatura de este tipo de músico se instaló para siempre.

Las malas imitaciones no se hicieron esperar. Un montón de grupejos (que realmente me da soberana lata nombrar) trataron de apoderarse de estos elementos para instalarse dentro de lo que estaba pegando. El cliché no tardó en aparecer y todo lo que representaba la generación X se prestaba para un sketch de Saturday Night Live.

Dentro de esta etapa es en que aparece Tracy Bonham, una chica oriunda Oregon en Estados Unidos. Tras una adolescencia marcada por sus estudios de violín y posteriormente canto en el Berkley Collage Of Music, en 1996 lanza el disco “The Burdens of Being Upright” que fue un batatazo comercial ese año.

La canción “Mother Mother” revolucionó los charts, a esas alturas saturados de grunge y dándole paso al New Metal, permaneciendo un mes en el número uno norteamericano. Y es que esa canción, y el disco en particular, tenía variados elementos que lo hacían novedoso.

En primer lugar tenemos a una cantante musicalmente muy dotada, capaz de introducir dulces violines a canciones oscuras. Una voz que no se intimida al pasar desde un suave murmullo hasta un grito desgarrador y que en todo momento mantiene algo siniestramente femenino que llama poderosamente la intención.

En “Shark Can't Sleep” se nota claramente esta interacción. Si bien hay una clara influencia de Nirvana en esta canción (y en casi todo el disco), Tracy no intenta ser una versión femenina del rubio de Aberdeen. Ella es una chica y se expresa como tal. Su voz es dulce cuando debe serlo y poderosa cuando se quiere hacer escuchar. Es capaz de seducir bajo cristalinos acordes disminuidos y desconcertar sobre punkies quintas distorsionadas.

A pesar de que después de este disco la carrera de Tracy no logró consolidarse, “The Burdens of Being Upright” es un disco que merece ser escuchado.

Para descargarlo sólo haz clic aquí

Stone Temple Pilots en el Pepsi Music 2008

2008-10-25T16:01:00.006-03:00

Por Manuel Catrilef Cea

El año pasado Sudamérica tuvo una pequeña probada de lo que era el sonido de la banda grunge no originaria de Seattle más famosa. Velvet Revolver en su gira por este lugar del mundo tocó dos temas de Stone Temple Pilots (Crackerman y Sex Type Thing) demostrando que la energía de aquellos acordes eran increíbles en vivo, a pesar de no ser interpretados por toda la gente que los creó.

Pasó más de un año desde esa serie de recitales para que nuestra región tuviera la posibilidad de ver a los chicos de San Diego reunidos nuevamente, pero las productoras mostraron su miopía al no querer costear un recital que tenía un público objetivo que había mostrado su disposición a pagar por ver a las bandas con que crecieron en los '90 (los llenos de Pearl Jam y Chris Cornell son prueba de aquello). De esta forma solamente México y Argentina fueron los países de habla hispana que pudieron ver en gloria y majestad a Stone Temple Pilots.

Weiland y compañía cerraron de forma notable la última fecha del festival Pepsi Music 2008 en el Club Ciudad de Buenos Aires. Precedidos por un generoso número de teloneros, STP se paseó por prácticamente todos sus grandes hits, solo obviando las canciones de su último disco de estudio Shangri - La Dee Da (2001). Lo cual demostró que vinieron precisamente a pagar la deuda que tenían las bandas grunge con nosotros, los latinos. Y a pesar de no haber empezado con el tema más rockero de su trayectoria (Big Time) si fue suficiente para entusiasmar a un público que se destrozó la garganta coreando TODOS LOS TEMAS, ninguno se escapó, incluyendo los de sonido más pop como Big Bang Baby o Lady Picture Show.

Pero qué decir cuando tocó el turno de escuchar Wicked Garden o Sex Type Thing, la algarabía sorprendió, tanto por la entrega de Scott Weiland arriba del escenario y la gente abajo del mismo, que en el único momento en que hizo una pausa, más para prestar atención que por cansancio, fue en esa suerte de experimento sonoro psicodélico al medio de Creep. Aunque el descontrol fue total con un tema que a pesar de estar a midtempo (Dead & Bloated), de manera natural la mayor parte de los presentes creyó necesario disfrutarlo con un slam, mosh o como quieran llamarlo.

Eso fue lo otro "anecdótico" del concierto, sin que STP sea una banda de millones y millones de discos vendidos, la cantidad de clásicos que están en el inconsciente no es menor, permitiendo que a pesar de tocar de manera continua Creep, Plush e Intestate Love Song, todavía les quedara repertorio para mantener con energía a su gente.

Al cerrar el show con un tema con mucho groove, Trippin' On A Hole In A Paper, el público despidió a la banda sin pedir más, porque a pesar que hora y media parezca poco, la intensidad de los hermanos DeLeo, el batero Eric Kretz y el todo estrella Weiland fue más de lo que las 25 mil pesonas que asistieron estaban preparadas para recibir.

Por todo aquello, aquí les dejamos a su disposición el recital que brindaron aquel glorioso 15-10-2008 en Buenos Aires.

Descargar aquí

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Entrevista a Superatones en Argentina

2008-10-24T17:19:00.004-03:00

En el marco de la cobertura especial que hicimos a la última fecha del Pepsi Music 2008 en Argentina, tuvimos la oportunidad de entrevistar a la banda trasandina Superatones justo antes de su presentación en dicho show, que tuvo como plato principal a Stone Temple Pilots.

Así que aquí les dejamos la entrevista completa con la agrupación:

Gracias a Caracho por ser camarógrafo.

Lado B 22-10-2008

2008-10-24T00:59:00.005-03:00

En esta edición de LADO B! una completa cobertura de la última fecha del festival Pepsi Music 2008 en Argentina:

Bloque 1: Soundtrack de la semana con Trainspotting, tocando a Blur e Iggy Pop
Bloque 2: Comentario de bandas soporte del Pepsi Music con Cabezones, Masscre y Carca
Bloque 3: Noticia con el festival Santiago Rock, tocando a Los Tres y Los Jaivas
Bloque 4: Comentario del disco de la semana con Tracy Bonham y su placa The Burdens of Being Upright
Bloque 5: Entrevista exclusiva con la banda argentina Superatones, antes de su presentación en el Pepsi Music
Bloque 6: Comentario del número principal del festival Pepsi Music, Stone Temple Pilots, incluyendo dos temas extraídos de su concierto.
Bloque 7: La lamentable noticia de la separación de la banda chilena Weifchafe

Para llegar a cada bloque solo deben usar el botón adelantar, de esta manera, cada vez que lo presionen avanzarán un segmento del programa.

La génesis barbárica de tres cabezas

2008-10-17T16:13:00.007-03:00

Por Pamela Ramírez R.

Desde los primeros segundos de "The Barbarian", la apertura del álbum con la misteriosa carátula rotulada "Emerson, Lake and Palmer", sabemos que lo que suena volará nuestras cabecitas. Con solo este tema, basado en la pieza "Allegro Barbaro", compuesta en 1911 por el húngaro Bela Bartok, podemos darle una idea a nuestro oído de lo que será todo el disco. Se trata de un comienzo potente,y desenfrenado, lleno de aciertos que reflejan el virtuosismo de este trío británico, una energía inicial que daría pie a toda una era de talento progresivo.

El debut homónimo de 1970 del llamado primer supergroup del rock, pues sus integrantes Keith Emerson, Greg Lake y Carl Palmer habían pasado por The Nice, King Crimson y Atomic Rooster respectivamente, es de esos discos que sobreviven al paso del tiempo por su consistencia musical, con piezas que sintetizan esa amalgama de sonidos con toques jazzísticos, experimentales y con excelencia docta, llamada rock progresivo.

Este esfuerzo inicial recoge un talento triple en potencia, aún sin pulir completamente ni llegar a los trabajos de mayor ambición y complejidad que vendrían más tarde, pero no por eso menos notable en muestras de valor musical. Sobretodo, es posible notar la grandeza individual de la sigla ELP en temas como "The Three Fates", donde la suelta mano de Emerson en el órgano resalta tanto como en todo el álbum; "Tank", compuesto por un Palmer que quizo jugar con nuestras mentes en cada solo; y quizá la más famosa del disco y de la carrera de ELP "Lucky Man", la única balada presente, escrita por Lake a los doce años y con uno de los finales más hermosos y épicos que se han escuchado.

No está demás decir que quienes no se han aproximado al rock progresivo, calificado de poco accesible y demasiado intelectual por sus detractores, pueden hacerlo y abrir sus orejas con este debut de Emerson, Lake and Palmer, el disco de la semana de Lado B.

Descarga este discazo aquí

Lado B 15/10 Especial Rock Progresivo

2008-10-16T13:14:00.003-03:00

Esta semana en Lado B!

Especial de Rock Progresivo, con exponentes de diversas épocas y estilos como Planet X, Protest The Hero, Soft Machine y Simphony X. De fondo, suena el disco de la semana que en esta ocasión fue el debut homónimo de Emerson, Lake & Palmer de 1970, una verdadera joyita de la progresiva.

Si quieren avanzar a los distintos bloques,solamente presionen la flecha adelantar.

Saludos y sigan escuchando Lado B Radio.

La sicótica dulzura de Jesus and Mary Chain

2008-10-15T19:52:00.016-03:00

Alejandra Zúñiga Cárdenas

Conocido por muchos como el conjunto de los hermanos Reid, Jim (voz) y William (guitarra), The Jesus and Mary Chain es mucho más que un sonido "ruidoso" proveniente de Escocia, con altas dosis de drogas en el entorno "ondero" y alternativo de los 90. Por el contrario, la agrupación que el 4 de noviembre visitará Chile en el marco del Festival SUE, donde se presentará junto al "plato fuerte" de la noche, los estadounidenses de REM, es una de esas bandas que gracias a su falta de parafernalia, estudios de mercado o comportamiento políticamente correcto logró marcar un hito en las cabezas de toda una generación.

Porque a principios de los 80, cuando la música británica buscaba un nuevo camino luego del fin del punk, surgió un grupo que tomó prestado y unió en forma magistral la rapidez y furia de este movimiento con las melodías lisérgicas de la psicodelia. Una mezcla perfecta entre armonía y distorsión: Sex Pistols, Pink Floyd y The Velvet Underground revolviéndose en la misma juguera. Eran The Jesus and Mary Chain.

Formados en 1984, un año después lanzan su primera placa Psychocandy, que se convirtió en algo así como el aliento que el público post punk, huérfana generación que ya no luchaba contra la reina sino contra la Thatcher, necesitaba: voces susurrantes en medio de envolventes melodías que, como si fuesen parte de una bizarra versión de algún tema de The Beach Boys -en muchos de los coros es posible oír el gusto por la clave pop-, se intercalaban con eternas y asfixiantes distorsiones de guitarra.

Un disco fundamental para entender lo que sería luego la explosión del brit rock de mediados de los 90, incluso para aquellas bandas que dejaron de lado el sonido noise pop del que The Jesus and Mary Chain fue claro estandarte. Una placa que a 23 años de haber sido editada sigue sonando tan refrescante como en sus inicios, lo que no es un mérito menor, dada la tendencia actual al reciclaje y homenaje de sonidos como el que los hermanos Reid patentaron.

Y aunque es necesaria una segunda o tercera vuelta a este ecléctico disco antes de asimilarlo, es sin duda una de aquellas experiencias que no se olvidan, ya sea por la engañosa Just Like Honey, uno de sus temas emblemáticos y que fue utilizado años después por Sophia Coppola para el final de Perdidos en Tokio (2003), que con una dulzura melódica inusitada anticipa un recorrido muy distinto a lo que realmente luego vendrá con la oscura ambientación lograda con canciones como Never Understand o You Trip Me Up.

Descarga el disco aquí

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Entrevista a Perrosky de Guiso

2008-10-13T13:47:00.002-03:00

Lo prometido es deuda. Aunque sea con un poco de retraso, los dejamos con esta mini entrevista a Alejandro Gómez, más conocido como Perrosky, de la banda chilensis Guiso. Todo fue hecho la noche del lanzamiento de su primer disco en vivo "El arte del desastre", el cual está disponible en su sitio web http://www.guiso.net

Agradecemos nuevamente a la gente del Club Mist por su buena onda y disposición.

Lado B 08-10-2008

2008-10-12T22:35:00.002-03:00

En la última edición de LADO B!

Bloque 1: Jean-Luc Ponty visita Chile
Bloque 2: Comentario de Nine Inch Nails en nuestro país
Bloque 3: Comentario del disco de la semana con Jesus & Mary Chains y su Psychocandy
Bloque 4: Comentario de Black Rebel Motorcycle Club en Chile
Bloque 5: Poporri con Weezer y las bandas metaleras nacionales Enigma y Espectro
Bloque 6: Noticias con Depeche Mode y su nuevo disco
Bloque 7: Estreno de canciones del nuevo disco de AC/DC, Black Ice

Para llegar a cada bloque solo deben usar el botón adelantar, de esta manera, cada vez que lo presionen avanzarán un segmento del programa.

Corrosión "bailable"

2008-10-04T13:04:00.005-04:00

Manuel Catrilef Cea

Dentro de lo cuadrado que puede ser el mundo del metal extremo, con un panorama de bandas nuevas que en su mayoría cultivan el metalcore y derivados, es refrescante escuchar la propuesta de la banda danesa Raunchy. Con su placa Wasteland Discotheque (2008) terminan de consolidar esa fusión impredecible de sonidos que crearon en su anterior disco de estudio Death Pop Romance (2006).

Elementos tan disonantes como la voz corrosivamente black metal de Kasper Thomsen y las guitarras melódicas con ese toque thrash se mezclan perfectamente para satisfacer oídos ávidos de escuchar propuestas nuevas y que estén dotadas de ese groove necesario para quedar prendido por horas.

Pero detras de la capa más audible del sonido de Raunchy, aparecen otros elementos que, más que limitarse a ser simples arreglos, son los que le dan finalmente esa vuelta de tuerca a su música. Un teclado claramente inspirado en las melodías del New Wave de los ochentas le da ese aire fiestero/melancólico (paradoja más que posible para esta banda) es el que da un aire diferenciador a la banda. Un tremendo logro para esta agrupación, tomando en cuenta que un peso pesado del doom metal de los 90 como Paradise Lost trató de hacer eso mismo, con resultados muy pobres.

Mención más que honrosa para los momentos en que Thomsen hace las voces limpias junto con el tecladista Jeppe Christensen, dándole también tu toque de melancolía y que no termine hostigando tanto grito. También el batero Morten Toft Hansen hace un notable trabajo en su instrumento, no remitiéndose al simple uso del doble bombo a mil por hora, sino que usa el hi-hat al más puro estilo jazzero cuando es necesario, dándole más groove incluso a las canciones. Otros percusionistas del metal deberían aprender de aquello, no todo es tocar rápido.

Wasteland Discotheque es un claro ejemplo que se puede seguir innovando en un género en que se suelen repetir fórmulas hasta el cansancio, por lo que darle una escuchada por lo menos es imprescindible.

Descarga el disco aquí

No olviden que pueden escuchar LADO B, esta semana con “Black Butterfly” de Buckcherry todos los miércoles a las 19 horas (horario de Chile) por http://www.radiojgm.uchile.cl/ o desde los días viernes acá en nuestro blog en la categoría LADO B - RADIO.

Que siga la juerga!!, Lo nuevo de Buckcherry

2008-09-29T00:36:00.003-04:00

por Conde Pátula

Hay cosas de las que uno no se cansa. Poco importa quien las creó, sólo sirve que aún sigan estando ahí. En el caso del Rock And Roll la actitud desenfadada, el alcohol y la juerga son elementos que sobreviven a los cambios de compases, estilos y modas.

Por eso es que bandas como Buckcherry son apreciadas. Los tipos no han inventado nada. Sus acordes y riff ya fueron tocados décadas antes por los íconos del género y cuyas almas impregnaron y definieron a la música popular. Pero la capacidad que tienen estos americanos de recordarnos esos “valores” es impagable. En un mundillo musical marcado por las poses y los profetas, a veces un poco de neanderthalismo es necesario.

Su nuevo trabajo “Black Butterfly”, aunque algo disparejo, tiene mucho de eso. El álbum comienza con una canción titulada “Rescue Me” que parece sacada de otra parte. Es un ejercicio melódico extraño para un grupo que en “Lit Up” cantaba a grito pelado sobre la adicción a drogas y situaba las bases de un “Cock Rock” con letras llenas de testosterona y políticamente incorrectas. Demasiado limpio para ser Buckcherry.

Sin embargo la fiesta recién comienza. Al igual que bajo los efectos del trago “Black …” se va desatando poco a poco a medida que van pasando los minutos. Se puede sentir como Josh Todd se empieza a soltar la corbata para liberar esa garganta llena de hálito alcohólico y empezar la catarsis característica del grupo. De pronto la cerveza empieza a salir por los parlantes revelando los estados etílicos de los miembros de Buckcherry.

Si la primera canción es de compostura poco creíble, ya en el tercer corte la cosa empieza a mejorar. Se les escucha un poco más contento, más “jugosos”. Con una base funk juguetona “Too Drunk To Fuck” ya empieza a incomodar a los miembros de la fiesta en la andan los chicos de Buckcherry. De caminar lento, la canción tiene una pose altanera que empieza a desnudar la real esencia de la agrupación y lo que amamos de ella. Se les puede ver caminado, robándose vasos de copete ajenos y fanfarroneado de su proeza de no poder coger por tanto alcohol, sin que a nadie más que a ellos les interese la historia probablemente.

En esta misma línea siguen los tracks “Talk to Me”, “A Chile Called It” y “Fallout”, hasta que llegamos al climax con “Imminet Bail Out” canción que nos devuelve a los Buckcherry que todos esperábamos en este trabajo. Una canción directa, poderosa, con Todd desatado, gritando y unas líneas de guitarra con unos cojones que deben ser cargados con una carretilla. Una descarga de energía que se agradece y que te invita a tomar una escoba, cerrar los ojos y tocar ante un estadio imaginario lleno de devotos fans.

Punto a parte son las baladas de este trabajo. Acaso el punto más bajo son las melosas notas “Dreams”, “Don’t Go Away”, que parecen no responder a la lógica de la banda. La suavidad y la melosidad no corresponden con la voz de Todd que parece estar siempre sedienta de algo más, siempre tiende a ponerse ronca y no se ve acompañada por los instrumentos. A veces llegar a dar verdadera lata.

Por la otra vereda está “Cream” que si es una balada digna de Buckcherry. “Siempre serás mi más profundo amor”, dice Todd al comienzo acompañado de una bajo que no hace nada más quedar paso a un brutal riff en la parte media de la canción que nos demuestra que no siempre hay que arrastrarse para declarar amor eterno. Se puede ser rudo aún en esa ocasión.

Descarguen el disco desde Acá

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LADO B 17-09-2008 (Especial Rock Chileno)

2008-09-19T10:59:00.003-04:00

Fiestras patrias en Chile y nos pusimos a tonos nuevamente con un especial de rock hecho en nuestro país.

Bloque 1: Disco de la semana con Los Blops y su Locomotora
Bloque 2: El trio chileno de Doom Metal Electrozombie
Bloque 3: Seguimos con el metal, pero esta vez en clave Thrash con Dogma
Bloque 4: El sonido garage de Fother Muckers
Bloque 5: Hielo Negro y su rock stoner
Bloque 6: Uno de los mayores representantes del hardcore en Chile con BBS Paranoicos
Bloque 7: Finalmente terminamos con todo el sonido corrosivo de Slavery

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Locomotora Tricolor

2008-09-17T23:58:00.006-04:00

Por Pamela Ramírez R.

Reconocidos más por su cruce musical con la Nueva Canción Chilena al colaborar con Víctor Jara en el emblemático "El derecho de vivir en paz" de 1971 y por ese hito cancionístico (y por qué no decirlo un infaltable en los guitarreos de fogata) llamado "Los Momentos", la esencial banda chilena Los Blops dan un rotundo giro en su tercer disco de estudio "Locomotora", situándose en un sendero musical no mostrado en sus álbumes anteriores "Blops" (1970) y "El volar de las palomas" (1971).

Lanzado pocos días después del golpe de estado,de 1973, "Locomotora" se aleja de los quietos temas folk de las primeras entregas de la banda y se desata en largas piezas instrumentales de corte progresivo y con toques más jazzísticos, conectándose con la semilla rockera con la que comenzaron el grupo, cuando su repertorio incluía covers de The Rolling Stones y Eric Clapton., entre otros. De la preocupación por la lírica de sus canciones, en su locomotora Los Blops se concentran en otorgar la potencia a través de la música, dejando de lado las voces, a excepción del tema "Sandokan", donde se escucha una extraña especie de dialecto.

En los cinco temas que componen el disco, el grupo pone esfuerzo en demostrar un virtuosismo en cada melodía, por cierto antes no expuesto, pasando de instantes tenues y delicados de la mano del teclado y flauta, a secciones de mayor profundidad y fuerza, como es el caso de "Tartaleta de Frutillas", pieza tan agradable al oído como su nombre al paladar. Esa dualidad se revierte en temas como "Locomotora", donde el teclado define su presencia con más intensidad, y las percusiones lo refuerzan con un toque de fusión latina.

Sin duda, Los Blops en su tercer álbum se empapan con el sonido de inicios de la década setentera que ya en los parlantes anglo se había posicionado y que en esta parte del mundo comenzaba a resonar de forma creciente. Lamentablemente, luego del golpe los masters de los tres discos de la banda fueron destruídos, por lo que por muchos años la discografía Blops fue desconocida ante las nuevas generaciones. En 2001 BMG reeditó los álbumes, a partir de las copias existentes, logrando remediar en parte el mal causado por aquella negra etapa de nuestro país.

Tal como cada año, en esta semana de fiesta para Chile Lado B destaca el rock nacional y en esta oportunidad rescatamos para ustedes esta joyita perdida de Los Blops "Locomotora" de 1973, una suerte de rareza que puedes descargar desde ya Aquí

No olviden que pueden escuchar LADO B, esta semana con su especial de Fiestas Patrias con puro rock chileno, todos los miércoles a las 19 horas (horario de Chile) por http://www.radiojgm.uchile.cl/ o desde los días viernes acá en nuestro blog en la categoría LADO B - RADIO.

Pink Floyd no habría sido lo mismo sin ti...

2008-09-15T13:53:00.009-04:00

BBC/M.C.C.

No resaltó por ser el músico atormentado de la banda (Syd Barret), el genio conceptual (Roger Waters) y tampoco el agraciado con una voz conmovedora (David Gilmour). Richard Wright (28/07/1943 - 15/09/2008) fue un hombre que no acaparó luminarias, era el de los arreglos, esos detalles que hacen que una canción pase de ser un tema más a una obra magnífica. Su genio para ocupar el teclado Hammond o Fafisa fue determinante en la magnificencia de discos como Meddle o Dark Side of The Moon.

La psicodelia pertenecía a Barret en su cabeza y a Gilmour en su guitarra, pero el lado épico, esa sonoridad que hace sentir al oyente que está ante algo gigantesco, era de absoluta propiedad de Wrigth (y muchas veces también el del jazz).

El cáncer se llevo a Richard y también muchas de las opciones de ver a Pink Floyd reunido, y aunque lo hicieran, hay un hueco que es casi imposible de llenar. Por lo menos se fue en paz con Roger Waters después de su pelea en los '80.

De Youtube extraemos el siguiente video que muestra un lado distinto de Wright, minimalista si se quiere: "Love scene V. 4" de la película Zabriskie Point de Michelangelo Antonioni, un hermoso solo de piano, que si bien aparece todo Pink Floyd en los créditos, es claro quien lo compuso realmente.

Especial Fiestas Patrias!

2008-09-15T13:07:00.001-04:00

Esta semana tenemos el tradicional Especial Dieciochero en Lado B, con sólo bandas del territorio chilensis. El disco de la semana en esta oportunidad lo traen Los Blops con su tercer disco de estudio "La Locomotora", una peculiar pieza dentro de su discografía, comentado por Pamela Ramírez.

Manuel Catrilef nos trae más decibeles chilenos con Dogma y Slavery, mientras que Alejandra Zúñiga hablará de Fother Muckers, banda chilena que provocará un encendido debate entre los conductores de Lado B.

En sus bloques, Patricio Salazar destacará el punk más melódico de los BBS Paranoicos y el sonido agresivo de los Elektrozombies. Además, Pamela Ramírez tocará el rock patagónico de Hielo Negro.

No se pueden perder este especial para que empiecen zapateando en estas Fiestas Patrias con lo mejor del Rock Chileno.

Escuchen LADO B, todos los miércoles a las 19 horas (horario de Chile) por http://www.radiojgm.uchile.cl/ o a través de nuestro blog en el tag Lado B Radio.

Bo Diddley, más que una guitarra cuadrada

2008-09-14T23:47:00.008-04:00

Alejandra Zúñiga Cárdenas

Su nombre podrá no haber aparecido en la lista de discos más vendidos o decorar las piezas de miles de fanáticos; sin embargo, es una de las más importantes influencias surgidas del rock and roll en sus inicios. Bo Diddley (1928-2008), el emblemático músico de la guitarra cuadrada (square bodied, que a veces llevaba la etiqueta de Jack Daniels impresa) creó un peculiar estilo que pese a no ponerlo, en términos de popularidad, al mismo nivel de Elvis Presley, Chuck Berry o Little Richard sí se encuentra entre los más importantes artistas de la época, de aquellos años en que los sonidos que hoy conocemos como rock comenzaban a nacer.

Músicos disímiles y posteriores como The Rolling Stones –con quienes hizo su primera gira por Estados Unidos-, The Yardbirds, The Clash –con quienes salió de gira en 1979- o el guitarrista de U2, The Edge, le rindieron homenaje en más de una oportunidad al tocar junto a él o, simplemente, reconocer y tomar algunos de los aportes que el autor realizó a lo largo de su carrera. Una trayectoria que tuvo uno de sus puntos altos de fama con su segundo disco, Bo Diddley is a Gunslinger (1961).

Un álbum donde es posible apreciar la técnica y los primeros pasos en la creación de su estilo, aquel que le permitiría desarrollar canciones enteras con un solo acorde, sólo con cambios de ritmo, y dejando además al descubierto la ecléctica mezcla de elementos que intervenían en la creación de su peculiar sonido. Por un lado, la forma “salvaje” de tocar la guitarra, en un intento por replicar lo que en sus días de violinista hacía con el arco de aquel instrumento, a lo que se sumaba su veta como baterista frustrado y, por otra parte, la innovadora unión de blues, rock and roll y melodías africanas que dieron como resultado una innovadora melodía basada en la repetición constante de un ritmo que parecía serlo todo y no querer finalizar jamás.

Precisamente, la creación de este singular estilo fue lo que en cierta medida impidió que obtuviera una desbordante fama mediática, pero fue también aquello que le reservó un lugar destacado en la historia como merecedor del título de precursor del rock and roll.

Para descargar el clásico de Bo Diddley pinchar aquí

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LADO B 10-09-2008 (Especial Rock 'N Roll)

2008-09-13T16:26:00.003-04:00

En la última parte de nuestro ciclo de géneros fundacionales le rendimos tributo al estilo que es el antecedente directo del rock propiamente tal, un género que sentó la bases de lo que sería la rebeldía y la estructura que ocuparía melódica que ocuparían la mayoría del los primeros rockeros.

Bloque 1: Gene Vincent
Bloque 2: Eddie Cochran
Bloque 3: Carl Perkins
Bloque 4: Bo Diddley, de quien tambiés es el disco de la semana con su placa Bo Diddley is a Gun Slinger
Bloque 5: Brian Setzer
Bloque 6: Dave Edmunds
Bloque 7: Fats Domino

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Lado B 03-09-2008

2008-09-09T23:55:00.002-04:00

Después de tener algunos problemas con el servidor que aloja nuestros programas, aqui está la pasada edición de LADO B

Bloque 1: Documental de La Renga en Chile
Bloque 2: Anticipamos las visitas de Bill Calahan y The Hives
Bloque 3: Popurrí de noticias con Slipknot, John 5 y Sonic Youth
Bloque 4: Lanzamiento del libro sobre la banda chilena Pinochet Boys
Bloque 5: Disco de la semana con Death Magnetic de Metallica
Bloque 6: Soundtrack rockero con la cinta Sid & Nancy
Bloque 7: Banda del recuerdo con las chilenas de Venus

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Metallica escuchó a los fanáticos...

2008-09-09T13:59:00.009-04:00

Manuel Catrilef Cea

Si hay algo complejo en el mundo musical es evaluar las placas de Metallica desde el disco Load (1996) en adelante. Cualquier comentario positivo frente a alguno de esos LP significa de inmediato que eres un fanboy de la banda que les aguantaría hasta sus jugueteos con el Nü Metal. Por el contrario, si destrozas el disco o no dices nada bueno eres de la interminable lista de detractores de los Four Horsemen simplemente por haber introducido el mundo del metal al mainstream. Un pecado de capital.

Lo anterior es la mirada más general de los melómanos rockeros frente a quienes comentan discos, y las posturas claramente tienen algo de cierto, innegable. Y el nuevo disco de Metallica pone esa encrucijada más latente que nunca. Death Magnetic (2008) pone a prueba al oyente a sacarse cualquier prejuico para degustar de lo que debe ser el disco más esperado del año.

Tal como lo habían prometido desde el año pasado, la placa tiene mucho, muchísimo de ese sonido Thrash metal ochentero, en especial muchos momentos recuerdan al ...And Justice For All (1988). Esto se lo debemos en gran parte al trabajo de Rick Rubin, que ya había hecho lo mismo con Slayer y su Christh Illusion (2006). Constantes cambios en la estructuras de los temas, riffs rapidísimos, dobles bombos y aceleraciones en la batería como hace tiempo Lars Ulrich no hacía. Y claro, lo que más se extrañó en St. Anger, los solos de guitarra de Kirk Hammet, que no serán los mejores de su carrera, pero están muy bien puestos.

Es tan difícil no comparar canciones como The Shortest Straw, Eye Of The Beholder o One con The End of The Line, My Apocalypse, o Broken, Beat & Scarred, si tienen toda esa onda de tintes progresivos en cada nota. Por algún instante pareciera que Metallica nunca hubiese cruzado la década de los '80.

Pero no hay que engañarse, claramente hay momentos de la etapa Load-Reload (The Unfogiven III especialmente, pero también varios instantes de The Day That Never Comes), pero son eso, momentos muy bien calculados.

Nota aparte para las vocalizaciones de Hetfield, carraspeando muchísimo y poniendo el toque melódico cuando es necesario. Lo cual se debe justificar por las buenas letras que James nos hace creer que en realidad las siente hasta la médula.

Leyendo foros de rock alrededor del mundo, queda claro que la mayoría está conforme y gratamente impresionada con este regreso de Metallica, es casi todo lo que hace años les pedían que hicieran, un disco remorando el tiempo en que "valían la pena". Eso se nota por todos lados, Hetfield y cia. tuvieron que revisitarse para la reconciliación final con sus fans. Death Magnetic es un notable disco, plagado de buenas canciones metaleras, pero siempre quedará esa sensación que es el álbum en que Metallica agachó la cabeza, se rindió a la voluntad de sus seguidores y compuso según los gustos de alguien más que ellos mismos.

Baja Death Magnetic aquí y aquí

Lado B 27-08-2008

2008-08-30T12:45:00.002-04:00

En esta edición de LADO B!:

Bloque 1: Disco de la semana con la segunda placa homónima de The Band
Bloque 2: Rock Honors, recital tributo a The Who transmitido por la cadena VH1, con Foo Fighters y Pearl Jam
Bloque 3: Sección de banda chilena y nueva con Kañón
Bloque 4: Sountrack rockero con la banda sonora de Juno con The Kinks, Sonic Youth y Barry Louis Polisa
Bloque 5: Popurrí de noticias con Led Zeppelin, Chris Cornell y The Racounters
Bloque 6: Metallica y las dos canciones que han estrenado de su nuevo disco Death Magnetic
Bloque 7: Comentario de la fiesta de Radio Futuro con Weichafe y Congreso

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Bowie en vivo, un ticket a lo mejor de los '70

2008-08-29T10:31:00.021-04:00

Por Alejandra Zúñiga Cárdenas

Fue por décadas uno de los discos de conciertos más codiciados. Pequeñas secciones piratas de aquella presentación recordaban que David Bowie alguna vez había pisado el Santa Mónica Civic Auditorium, en la época en que se transmutaba en un marciano de pelos parados, maquillaje colorido y ropas apretadas llamado Ziggy Stardust, para dar uno de aquellos conciertos que han marcado hitos en la historia del rock.

Nunca editado oficialmente por disquera alguna, más de tres décadas después aquellos sonidos finalmente son reunidos íntegros en un mismo álbum lanzado en junio de este año por EMI. Un mito que pocos habían tenido la suerte de oír completo y que más allá de ser una grabación "perdida", es el punto cúlmine de la carrera de un músico legendario que hizo de la experimentación -aunque sus jugueteos con la electrónica no hayan convencido a muchos- un sello ineludible e inseparable de su imagen.

Este concierto se enmarcó en la gira estadounidense de Bowie para la promoción de su disco Ziggy Stardust and the Spiders from Mars en 1972. Con un arrollador éxito en Inglaterra, su país natal, la legendaria grabación presenta la entrada del músico al mercado norteamericano con una presentación que difícilmente podía ser indiferente. La unión perfecta de sonidos herederos de la mejor tradición del rock de guitarras fuertes, la ambigua sexualidad del glam y la sutileza del pop son combinados en este recital con una inspiración que supera incluso otras presentaciones icónicas del músico o las versiones del registro en estudio del disco.

Una batería de texturas que hacen imaginar a un Bowie de pasos rockanroleros en temas como Hang On To Yourself, afirmando salvajemente su guitarra en un experimento progresivo de 10 minutos llamado The Width of a Circle -que hará sacar sonrisas incluso al más furibundo detractor del artista por encontrarlo "muy pop"- o haciendo gala del dramatismo característico del Bowie glam de los 70 con temas como Rock 'n' Roll Suicide.

Un disco, o mejor dicho un concierto, que no pierde en ningún momento su energía y progreso, entregando versiones inolvidables de temas clásicos del artista como la dulce Five Years, la archiconocida -pero no por eso prescindible- Space Oddity o un cover a sus contemporáneos de Velvet Underground -Waiting for the Man-, que demuestra además la relación del músico con el mundillo artístico neoyorquino de la época.

Después de escuchar Live Santa Monica '72 -nombre directo y preciso- sólo queda reverenciar una actuación donde maestría, inspiración, talento y carisma se unieron para dejar una marca indeleble en la historia de las presentaciones en vivo, el lugar donde se ve la real dimensión de los músicos y donde la fanaticada experimenta el verdadero espíritu del rock.

Para descargar este disco imprescindible, hacer click acá.

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La quieta marcha de "La Banda"

2008-08-28T12:30:00.008-04:00

Por Pamela Ramírez R.

No es un mero decir que hay que darle tiempo al tiempo. Por años el grupo conformado por el guitarrista Robbie Robertson, Richard Manuel (piano, armónica, batería, saxofón), Levon Helm (batería, guitarra, bajo, mandolín), Garth Hudson (órgano, piano, clarinete, acordeón, saxofón) y Rick Danko (bajo, trombón, violín) fue llamada "La Banda", pero siempre con la connotación de acompañar a un otro más famoso y experimentado músico.

Estos músicos se iniciaron, conocieron y crecieron, primero como soporte por cinco años del rockero Ronnie Hawkins y más tarde, con Bob Dylan, con quien tendrían mayor exposición al acompañarlo en su polémica entrada al sonido electrificado en 1965.

Tener en cuenta estas experiencias bajo el alero de Hawkins y Dylan no constituyen una simple anecdota. Claramente, los años de ruta darían la consistencia y los cimientos a uno de los ejemplos de sinergia más notables que pueden observarse en la historia del rock. El tiempo, daría por fin el estatus de banda ya no como un valor agregado, sino como un todo sólido, forjado con luces propias y con la energía para seguir recorriendo el camino sin paternalismos. Señoras y señores, con ustedes The Band.

Dieron su primer paso en 1968 con "Music from Big Pink", una gran muestra de que The Band marchaba con talento único, especialmente con su famoso tema "The Weight". Su siguiente placa, con título homónimo, daría el toque final a su arranque definitivo. El álbum de 1969 recoge con riqueza y originalidad el imaginario de las raíces estadounidenses, integrando una confortable mezcla de country, blues, bluegrass, rock and roll, por nombrar algunos estilos, una mixtura bien armada que no consiste en una amalgama pegada a la fuerza y lejos de lo que por esos días la psicodelia llenaba en las orejas del mundo. Lo notable del estilo de The Band es que proviene desde siempre potente mirada del otro. Todos, a excepción de Levon Helm, son de nacionalidad canadiense, por lo que el estatus de foráneos aporta una apreciación distinta a los sonidos tradicionales de Estados Unidos.

Este disco demuestra una cohesión de grupo que quizás no tiene muchos otros símiles. Cada integrante otorga su valioso aporte, sin desbordarlo a tal punto de opacar al otro. Un ejemplo son las voces, donde Danko, Helm y Manuel cantan cada uno en su particular estilo, muy distintos entre sí, pero que de una manera fluida funcionan creando hermosas armonías, que pronto te trasladan a cualquier parte.

Tanta buena comunión hay que es difícil decir un sólo tema para recomendar, ya que el disco en su unidad es una delicia para escuchar. Pero, por si quieres una muestra para entrar en calor, grandes momentos son "The night they drove old Dixie down", "Rag mamma rag", "Up on cripple creek" y "King Harvest". En todo caso, recomiendo que te lances con todo el álbum, que sin duda demuestra por qué ellos son "La Banda".

Descarga "The Band" (1969) de The Band Aquí

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LADO B 20-08-2008

2008-08-24T22:24:00.004-04:00

Por problemas de la página donde alojamos el programa, no habíamos podido subir la última edición, así que aquí se las dejamos:

Bloque 1: Sección de discos nuevos con The Verve, The Breeders y Melvins
Bloque 2: Llegada a Chile de box set de la leyenda del Metal Pentagram
Bloque 3: Popurri de noticias con AC/DC, Metallica y The Ganjas
Bloque 4: Disco de la semana con David Bowie y la placa Live Santa Monica 1972
Bloque 5: Rumores de recitales con R.E.M., Stone Temple Pilots y Motlëy Crüe
Bloque 6: Noticias con los chilenos de Huinca
Bloque 7: Llegada de Wes Borland, ex guitarrista de Limp Bizkit, a Marilyn Manson

Para llegar a cada bloque solo deben usar el botón adelantar, de esta manera, cada vez que lo presionen avanzarán un segmento del programa.

Reclama tu banda favorita!

2008-08-19T18:12:00.004-04:00

Desde ya puedes opinar acerca de las bandas que te gustaría ver en noviembre próximo en el escenario del Festival Fénix 2008, que el año pasado trajo a The Killers, Travis, entre otros. No sería malo sugerir a Weezer o The Mars Volta, por darte alguna idea. Soñar no cuesta nada...

En fin, haz presente tu opinión en este link que la productora puso a tu disposición. Manifiestate ya!

Para que vayan tanteando terreno...

2008-08-19T12:59:00.007-04:00

Para los que tienen los oídos ansiosos de novedades musicales, esta semana aparecieron dos avances de las nuevas entregas de Bob Dylan y Metallica.

En el caso del viejo maestro, se trata del tema "Dreamin of You", parte de "Tell Tale Signs: The Bootleg Series Vol. 8", un álbum doble con 27 canciones que será lanzado oficialmente el 7 de octubre. El disco, trae grabaciones de estudio nunca antes publicadas, tomas alternativas, demos, temas en vivo y rarezas, verdaderas joyitas del período entre 1989 y 2006. Una buena época para Dylan, considerando que en ese tiempo sacó grandes discos como Time Out of Mind, Love and Theft y Modern Times.

Por su lado, Metallica se raja con nada más y nada menos que ¡14 segundos! de "Death Magnetic", su nuevo disco. Ojo, que no bromeo con los 14 segundos que ellos llaman "A little taste of death". A Lars ya le debe haber dado un poco de urticaria por el solo hecho de poner esa migaja en línea. Este nano-avance puedes completarlo cuando el último trabajo de estudio de los generosos Metallica salga a la luz el próximo el 12 de septiembre.

Así que los dejamos con estas muestras para que vayan preparando las orejas, o los bolsillos para los más producidos.

"A little taste of death"
"Dreamin of You"

Las cosas en su lugar

2008-08-17T01:27:00.010-04:00

Pato "Hair Metal" Salazar

Cuenta la leyenda que el productor de Warrant llamó a Jani Lane, vocalista de la banda, para decirle que le faltaba un single pegajoso a su disco “Uncle’s Tom Cabin”. Ante la sugerencia, Lane compuso durante la noche una canción a la que tituló “Cherry Pie” y que finalmente dio nombre a ese álbum de 1990.

La inspiración de esa jornada transformó la vida de la banda. De pronto la canción se transformó en un hit y Lane se vio cantándola una y otra vez. Se organizaban concurso de lanzarse pies de fresa en los cuales el cantante debía ser juez y toda la obra de Warrant se acotó a esas dos palabras. Años después, en un programa de VH1, Lane diría: “ahora me pegaría un tiro en la maldita cabeza antes de componer nuevamente esa canción”.

El caso no es aislado. En una industria más preocupada por el éxito comercial que por la calidad musical, la búsqueda de un gancho ha hecho temblar el legado de muchas bandas… sólo dos ejemplos: Radiohead no toca en vivo “Creep” por esta razón y muchos creen que Faith No More es solamente “Easy”, canción que ni siquiera es de ellos.

Esto mismo le pasó a una de la agrupaciones clásicas de los 80’s, Extreme. Su cuatro discos plagados de los riff metaleros, aderezados con una pizca de funk y su actitud de rockers se vio reducida a una imagen de “niños bien” gracias al tema “More Than Words”.

Sin proponérselo, la bestial forma de tocar de Nuno Bettencourt y la licenciosa voz de Gary Cherone sólo servían para unir parejas durante el “clásico lento” que había en las fiestas de casi una década atrás. Esa guitarra limpia acalló, impensadamente, las toneladas de distorsión que descargaba Extreme en cada concierto.

Por eso es que su último trabajo, “Saudades de Rock” (2008) es revitalizante. Si bien no llegará a la categoría de clásico, se nota la mano relajada y las ganas de hacer buena música. En este disco se multiplican las melodías roqueras clásicas que, sin ningún asco, remiten a los grandes referentes del género. Desde la canción “Comfortably Dumb”, con toques zeppelinianos, hasta la totalmente country “Take Us Alive”, los 14 tracks de este disco entretienen y llevan a la nostalgia del rock de estadios.

Queda en claro que bajo todo el artificio que Extreme tenía en los 80, había una dupla que se movía plácidamente. En “Saudades…” no tienen problemas para mezclar sonidos modernos – algunas canciones recuerdan algo a Audioslave – con los viejos recursos como los clásicos coros doblados que usaban toda la generación Glam Metal. Pero lo más notables es la desfachatez con que se mueven las canciones, una impronta altanera que deja en claro que ellos pueden tocar lo que quieran, cuando quieran, una actitud muy similar de la que tiene un cincuentón pretendiendo a una niña de veinte años.

Por eso era necesario que salieran un trabajo así. Había que sacarles la melosidad que “More Than…” había creado sobre la banda. Ellos no eran lindos, se querían aprovechar de las chicas, esa era la actitud inicial, no eran los yernos ideales, eran desalmados rompe calzones que usaban su talento para vender el cielo y la tierra en pos del objetivo carnal, y este disco los revela en esa perspectiva rock que jamás debieron haber perdido.

Si quiere oir lo nuevo de extreme solo descargue el disco aquí

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Lado B 13-08-2008

2008-08-17T01:27:00.008-04:00

Estrenamos formato nuevo para escuchar el programa, adios a nuestro querido podcast, que tuvimos que dejar pues por su limitación de espacio teníamos que borrar los episodios anteriores para subir algunos nuevos. Pero eso ahora será parte del pasado pues con esta nueva modalidad no se perderán las futuras ediciones del programa.

Para que entiendan el nuevo formato. Abajo aparecerá un pequeño reproductor en formato flash (por lo que es necesario que tengan instalada, de preferencia, la más reciente versión de adobe flash, aunque es probable que ya la tengan dado que el formato es muy común dentro los sitios web). En ese reproductor ustedes verán la teclas Play, adelantar y retroceder y dos puntos blancos, uno que es el indicador de la reproducción en curso y otro que es para controlar el volumen.

Las teclas de adelantar y retroceder sirven para adelantar los bloques, no la reproducción en curso. De esta manera, si solo les interesa escuchar el segmento donde hablamos de los posibles vocalistas de Velvet Revolver, ahora pueden ir hasta esa sección sin la necesidad de pasar por los otros bloques. Después tan solo tienen que esperar a que se cargue la barra de reproducción, tal cual como los videos de Youtube.

Sin más palabras, los bloques de esta semana

Bloque 1: Día del rock nacional con Los Jaivas, Las Lilits y Weichafe.
Bloque 2: Candidatos para ser el nuevo vocalista de Velvet Revolver con Sebastian Bach, Spacehog y Lenny Kravitz.
Bloque 3: Banda chilena y nueva con Cazuela de Cóndor.
Bloque 4: Disco de la semana con Extreme.
Bloque 5: Soundtrack rockero con la banda sonora de The Commitments.
Bloque 6: Noticia con nuevo disco de Anthrax.
Bloque 7: Visita de Divine Heresy a Chile (lástima que canceló justo después de la grabación del programa).

Nombre chicano con acento country-rock

2008-08-11T21:44:00.005-04:00

Manuel Catrilef Cea

Partiendo por el hilarante nombre, The Flying Burrito Brothers es una banda que cuesta tomar en serio. A eso hay que agregar las fotos que se encuentran al buscar imágenes del grupo en internet, además del hecho que pertecen al género del country, bastante mirado en menos por este lado del mundo, y más aún el que está cercano al mundo religioso.

Pero extrayendo toda esa capa de prejuicios que es lógico tener ante un grupo con ese prontuario, la música de este conjunto es más que interesante, en especial en su placa The Gilded Palace Of Sin (1969). Aquí podemos encontrar que el lado country, que es llevado principalmente por la guitarra principal, es notablemente matizado con unos coros que recuerdan al periodio de la beatlemania de los Fab four. Melodías pegajosas hay al por mayor, lo que hace dificil no ponerse a tararear en algún momento. El sonido del bajo es poderoso, cubriendo de esa manera la tendencia al sonido agudo de la música de las haciendas estadounidenses.

Y el lado religioso que marcan las letras no es irritante ni apuntar a declarar pecadores a todo el mundo no-cristiano. No son las típicas plegarias del fanático religioso, sino que se trata de una visión aterrizada de como ve la sociedad de su alrededor un creyente. Hasta un ateo (como quien escribe este artículo) puede encontrar razón en algunas de esas palabras, mal que mal, la racionalidad no es un objeto exclusivo de la ciencia.

Debido a todo lo anterior, no es una pérdida de tiempo darle aunque sea una mirada a esta placa, para así darse cuenta que no toda la música country es tan ridícula como se cree. Punto aparte es meterse en la vida de uno de los miembros fundadores de este grupo, Gram Parsons, una suerte de Kurt Cobain del género. Tarea para la casa.

Descargue aquí

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Esta semana en LADO B!

2008-08-06T15:05:00.003-04:00

Continuando con la serie de especiales sobre los géneros fundacionales del rock, esta semana hablaremos un estilo que es bien poco conocido en Chile, pero que es pieza esencial en todo el armado que tuvo en sus inicios el rock 'n roll: el country.

Por eso veremos desfilar en el programa a gente como grupos como The Amazing Rhythm Aces, Son Volt, la leyenda del Bluegrass Bill Monroe, a los noveles Nickel Creek, Steve Earle y Gram Parsons.

El disco de la semana estará a cargo de The Flying Burrito Brothers (tremendo nombre) con su placa The Gilded Palace Of Sin.

Snobs: devuélvannos a The Mars Volta

2008-08-03T10:49:00.008-04:00

Manuel Catrilef Cea

The Mars Volta es de esas bandas que vuelven rápidamente a los críticos de música actuales en gruopies. En especial porque gran parte de quienes se dedican y viven del análisis de discos (cosa que no incluye a éste servidor desafortunadamente) se vuelven locos por cualquier cosa que suene rara y no acsequible para los oídos de quienes suelen nutrirse de la música mainstream o más tradicional. Es decir, si eres snob y melómano tienes el potencial de candidato para que te guste The Mars Volta (¿alguien dijo Super45 y demás blogs-revistas del estilo?).

Ante este nefasto e inevitable prejuicio hacia la banda liderada por Cedric Bixler-Zavala (vocalista) y Omar Rodríguez-López (guitarra) hay que hacer algunas aclaraciones. Que una porción no despreciable de fans de esta agrupación sean unos pelmazos (por lo menos en Chile) no significa que la música sea igual de detestable. En estos puertorriqueños mezclados con estadounidenses hay una innegable cuota de talento y creatividad.

Prueba clara de aquello es su primer disco De-Loused in the Comatorium (2003). Esquizofrenia pura, de guitarras fuertes se cambia bruscamente a melodías suaves, con punteos de guitarras psicodélicos dignos de David Gilmour, y una batería plagada de quiebres que poco tiene que envidiarle a Mike Portnoy de Dream Theater. Arreglos increíbles en el bajo y voces calculadas para darle un ambiente de insanidad desesperada a las canciones, que se matizan con la parte latina de los músicos, cada vez que pueden sacan ritmos centroamericanos de tambores o fraseos de guitarra cercanos a la salsa.

Toda esa mezcolanza suena en un caos guiado y armado a la medida de la historia que relata el disco: un suicida que descubre gracias a su sobredosis de morfina que es mejor estar en el mundo onírico del estado de coma que vivir su miserable realidad.

¿Difícil de digerir a la primera? Posiblemente ¿Olvidable con el pasar del tiempo? Para nada. La placa debut de The Mars Volta es casi una obligación para quien busca nuevas ideas en la música, pero sin dejarse caer en el "snobismo". Por hacer un paralelo, debido a su experimentación sonora como por la complejidad de técnica de sus canciones, son los Rush de la actualidad.

Descarga el disco aquí

Ascenso y caída de una vez

2008-08-02T10:03:00.009-04:00

Manuel Catrilef Cea

Después de su placa Smash (1994), The Offspring había decepcionado constantemente a los fans de su época realmente cercana al punk-hardcore melódico. En Ixnay On The Hombre (1997) ya asomaba cierto distanciamiento de sus sonidos más duros, y después con la trilogía olvidable de Americana (1998), Conspiracy of One (2000) y Splinter (2003) terminaron por demostrar que estaban más interesados en vender discos que en hacer buenas composiciones.

De ahí que muchos perdiéramos la fe en que el vocalista Dexter Holland y compañía nos volvieran a entregar un puñado de canciones aceleradas y melódicas como las de sus primeros tiempos. Y si bien Rise and Fall, Rage and Grace (2008) no es precisamente un vuelta total a ese sonido que definió el punk-rock de los 90', por lo menos es un intento por balancear la mejor época de The Offspring con su veta comercial.

Los primeros 6 temas tienen ese gancho de pulso rápido y sonido pegajoso que hace difícil no corear y marcar el ritmo de la batería. Buenos riffs y algunos intentos de solo de guitarra hacen de esas canciones lo mejor de la banda californiana en años.

Claro que después de esa buena primera parte volvemos a las canciones poperas tipo Hit That (Splinter) que si bien no son tan insoportables, hacen dudar por un segundo de quien era la banda que había tocado los temas anteriores. No es para vomitar esa segunda parte del disco, pero sí desencanta. Quizás lo único destacable es la power ballad Fix You, no tanto por su calidad o su letra, sino porque es un intento de hacer algo más novedoso dentro del lado pop que tiene The Offspring.

Denle una oportunidad a esos primeros seis temas, quizás en la próxima ocasión nos topemos con canciones de ese calibre solamente. Con el resto de los tracks... nos los culpamos si los envian a la papelera.

Descarga el disco aquí (lo debíamos de la semana pasada).

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Otra vez nos quedamos sin documental de Let It Be

2008-08-01T16:22:00.003-04:00

Nightwatcher's House Of Rock/M.C.C.

Paralelo a la grabación del disco Let It Be (1970) de The Beatles, Michael Lindsay-Hogg filmaba un documental sobre el proceso de creación del mismo, en el que ademas mostraba la convivencia que tenían los Fab-four en esos momentos. Finalmente todo ese material nunca se editó pues la banda no quería que el mundo los viera en su peor momento de relaciones personales, peleando constantemente o ignorándose unos a otros. De ahí que al poco tiempo terminaran separándose.

Ya sea por morbosidad o para comprender mejor cuáles fueron las razones que llevaron a la banda de Liverpool a disolverse, cualquier melómano gustaría de ver esas imágenes, en especial pues ya han pasado bastantes años y se supone que las heridas están cerradas, además del hecho que quedan solo dos Beatles de pie, Paul Mccartney y Ringo Starr. Pues bien, ahora que estaba todo listo para finalmente la cinta fuera editada, ambos personajes impidieron que esto sucediera ya que, según fuentes cercanas a ellos, afirman que "no creen necesario que el público vea el lado oscuro de la banda".

Claramente la imagen de The Beatles difícilmente se vea deteriorada por un documental que a lo más muestra el desgaste típico de cualquier relación personal. Por ejemplo se dice que entre las imágenes recolectadas se muestra a George Harrison criticando la forma de tocar la guitarra de Paul Macartney, además de un John Lennon absolutamente desinteresado de la grabación del disco y mucho más concentrado en su mujer Yoko Ono.

En fin, parece que habrá que esperar que todos estos músicos estén bajo tierra para conocer lo hay en esos rollos de cinta bien guardados.

Por mientras les dejamos el disco Let it Be... Naked (2003), esta versión que muestra las canciones de The Beatles como ellos las concibieron, sin todos los arreglos que el productor Phil Spector le metió a todas las canciones del disco original.

Descargue aquí

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Esta semana en LADO B!

2008-07-29T11:24:00.005-04:00

El disco destacado de esta edición será el primer disco de The Mars Volta, De-Loused in the Comatorium.

También hablaremos de la polémica disición del gobierno ruso de prohibir la música emo y gótica.
Además tendremos noticias con AC/DC, Cream, Lamb of God, El Cruce, entre otros.

Nuestra enviada especial al recital de Muse, Alejandra Zúñiga, nos contará lo que pasó con ese concierto en Chile.

Y haremos una pequeña recopilación de los últimos lanzamientos de discos de este mes de julio.

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No más Góticos y Emos en Rusia

2008-07-24T14:51:00.008-04:00

Kerrang/M.C.C.

En algún momento de la historia los conservadores persiguieron a los hippies, después a los punks, más tarde a los metaleros y le siguieron los hiphoperos. Todo ello porque consideraban que esos estilos atentaban contra los valores de la sociedad y que ponían en peligro a la juventud. Pero de esas persecuciones políticas (y ridículas) habían pasado casi 20 años, hasta el día de hoy, en que el gobierno ruso ha puesto sus ojos sobre la música Emo y Gótica.

Según el sitio web de la revista Kerrang, el pasado mes de junio el comité parlamentario de Rusia decidió dar el pase para discutir un proyecto de ley en el marco de su "Estrategia en la esfera de la educación espiritual y ética". Algunas de las medidas que estarían en la prerrogativa son regular sitios web de música Emo y Gótica, además de prohibir el ingreso a escuelas públicas de jóvenes que se vistan con ropa de dichos estilos.

De acuerdo a declaraciones del personero del gobierno ruso Igor Ponkin, el proyecto de ley surge porque la cultura Emo es "un peligro social y una amenaza para la estabilidad nacional". También aclaró que la idea surgió en reacción a los suicidios de jóvenes que pertenecían a esa tribu urbana, como el caso de la inglesa Hanna Bond. La chica se quitó la vida a los 13 años, y que según apareció en el periódico británico Daily Mail, se habría suicidado luego de "comenzar a escuchar a la banda estadounidense My Chemical Romance" además de empezar "a cortar sus muñecas como parte de una iniciación en la moda Emo".

Ante este escenario, el gobierno ruso espera que la ley se apruebe antes de fin de año.

Como nota personal, creo que atribuirle a una moda juvenil el poder de convencer a las personas de que se quiten la vida es darle demasiado crédito al poder ideológico que tiene la música hoy en día. Si los cánticos de la actualidad tuvieran esa capacidad, el mundo estaría lleno de revoluciones juveniles en las calles y las clases políticas que dominan, ya sea de izquierda o derecha, estarían bien enterradas bajo 3 metros en el suelo.

Por último, si en realidad la música pudiera lograr que un joven tome la drástica decisión de matarse, deja ver que la sociedad donde vivía ese chico es bantante mediocre como para no lograr que sus supuestos buenos valores sean escuchados y sí los de quién usa más maquillaje que nuestras madres.

En fin, para pasar el mal chiste del gobierno ruso, les dejamos a quienes gustan del Emo (que no será el mejor movimiento musical de la historia, pero por algo tienen que comenzar los más chicos a meterse en el mundo del rock) el último disco de My Chemical Romance, The Black Parede is Dead. Editado el 30 de Junio, es un álbum en vivo extraído del recital ofrecido el 7 de octubre de 2007 en Ciudad de México.

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Esta semana en Lado B!

2008-07-23T09:19:00.003-04:00

En el programa de esta semana tendremos noticias de Crosby, Stills & Nash, Green River y un concurso de guitarras Dean.

Además, hablamos de la visita del vocalista de Bright Eyes a Chile, el sorprendente disco de Bauhaus, mucho más cargado al rock, además de un par de efemérides rockeras.

El disco de la semana es la nueva placa de The Offspring, Rise and Fall, Rage and Grace.

Noticias varias

2008-07-21T17:26:00.010-04:00

Antimusic/M.C.C.

Metallica porno

Puede sonar algo exagerado el título, pero así han visto algunos las imágenes que recientemente mostró la banda estadounidense y que dicen relación con el arte de su próximo disco, Death Magnetic. Muchas personas ven un doble mensaje en las fotos publicadas el domingo en el sitio http://www.metallica.com/. Claramente queda al descriterio de cada uno qué cosa se imagina.

Cómo regalo, y hasta que se edite el nuevo álbum de Metallica, les dejamos los dos conciertos Unplugged que realizaron el año pasado en Mountain View.

Descargue aquí

Smashing Pumpkins en Watchmen

Por allá, en 1997, la banda de Billy Corgan hizo una nueva versión del tema The Beginning is The End Of The Beginning renombrándola The End Is the Beginning Is the End, quedando mucho más rockera que la original. Todo aquello para ser parte del soundtrack de ese bodrio llamado Batman & Robin (nos sumamos al llamado a que vean The Dark Knight para olvidar los malos ratos que hicieron pasar antes con el hombre murciélago).

Bueno, resulta que ahora Smashing Pumpkins facilitó la versión original de The Beginning is The End Of The Beginning, pero en esta ocasión para la cinta basada en el comic Watchmen. Considerada la mejor novela gráfica de la historia, fue escrita por Alan Moore y dibujada por Dave Gibbons en 1986, y será llevada al cine por el director Zack Snyder, el mismo que llevó a cabo la adaptación de 300.

Les dejamos el trailer de la película, que acompaña precisamente la canción de Smashing Pumpkins.

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Otro conteo polémico

2008-07-20T17:31:00.005-04:00

VH1/M.C.C.

Algunos medios tienen la costumbre de hacer rankings de cualquier cosa, y el canal de televisión pagada VH1 es de los más prolíficos al respecto. Desde los 100 mejores One Hit Wonder de la historia, hasta los 40 momentos menos metaleros han pasado por su pantalla. Es en esa senda que la señal hará un nuevo conteo, pero esta vez con las 100 mejores canciones de hard rock. La cadena propuso una lista con un centenar de temas y las personas tienen que dar su parecer sobre sus 10 canciones favoritas.

Claramente que los eligidos no dejarán conformes a todo el mundo, y al ver la lista de inmediato saltan a la cabeza algunas preguntas como ¿Desde cuándo que The White Stripes pertenece al rock duro? y si así fuese ¿Rush no debería estar diez mil veces más en esa categoría? Juzguen ustedes mismos al visitar el link de la votación:

http://www.vh1.com/shows/events/rock_honors/_2008/voting.jhtml

Cómo siempre, les dejamos un regalo, que en esta oportunidad es el último disco de Alice Cooper (que en este conteo aparece con el tema "School's Out") con su placa Along Came A Spider editada este mes.

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Un tributo a los metales

2008-07-16T17:34:00.006-04:00

Manuel Catrilef Cea

Avenged Sevenfold es una prueba más de una vieja máxima del rock: el metal siempre se las ingenia para ser eternamente joven. Por sobre otros estilos, el público objetivo del género siempre estará entre quinceañeros vestidos de negro sedientos de los sonidos más extremos, y ellos mismos son los que se encargan de darle siempre la vuelta de tuerca para que la senda iniciada por Black Sabbath y Judas Priest no se quede en el pasado.

Los estadounidenses de A7X (como le gusta a los púberes admiradores de la banda abreviar el nombre) son un claro ejemplo de respeto y admiración de diversos subgéneros de la música dura. Por momentos toman prestado a Metallica o Anthrax riffs de thrash metal muy gancheros, para a continuación escuchar un par de guitarras gemelas que masificó Judas Priest, de improviso suena algo de hardcore a lo Bad Religion y cuando ya te estabas acostumbrando a ese ritmo viene un punteo de guitarra acompañado de una batería galopante al estilo del heavy metal con tintes épicos. Y si eso te pareció poco, también queda algo de espacio para uno que otro momento nü metal y progresivo. Además de la infaltables power ballads a lo Guns 'N Roses.

Lo descrito anteriomente puede sonar a una mezcla extraña y frenética, pero cuando se escucha City of Evil (2005) de Avenged Sevenfold no hay nada de eso. Todo suena coherente, cada estilo no le estorba al otro, como si fueran hermanos que se apoyan entre sí. Y todo con una improta joven, porque todo eso ya tiene 20 años de historia, pero aquí, ya sea por la producción o por la energía desplegada, huele a espíritu adolecente (¿donde habré escuchado esa frase?).

Descargue la penúltima placa de esta banda aquí

Y de paso, en Youtube encontramos el tremendo cover que le hicieron a Walk de Pantera en su recital del pasado 27 de mayo en Chile.

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En la próxima edición de LADO B

2008-07-16T17:12:00.006-04:00

Para el próximo programa podrán escuchar noticias y música de Radiohead, Flamming Lips, El Cruce, Tenicious D, Joy Division, Bright Eyes, Ratt y Simphony X.

Además en la sección soundtrack de la semana estará Quadrophenia, adaptación al cine del disco del mismo de nombre de The Who.

En banda freak/del recuerdo estarán los nacionales de Los Bandoleros.

Y cómo disco de la Semana la tremenda placa City of Evil de Avenged Sevenfold. Puedes descargarlo desde ya aquí.

Radiohead y su última odisea tecnológica

2008-07-15T09:27:00.007-04:00

Zancada/El País/A.Z.C.

Lanzar un disco innovador como Ok Computer (1997), ser los primeros en difundir masivamente su álbum por internet (In Rainbows, 2007) parece no ser suficiente para los ingleses de Radiohead.

Porque su ya constante comunión entre música e internet parece continuar, y ahora eso ocurre de la mano de una tecnología que permite filmar sin necesidad de ver. Ya que el primer single de In Rainbows, House of Cards, cuenta ya con un video que fue grabado íntegramente por lásers y secuencias de datos. Se trata de una tecnología que permite capturar imágenes en 3D del mundo real sin emplear lentes. Un sistema de geometría informática que produce un haz de luz que registra imágenes tridimensionales si se proyecta a poca distancia del objeto.

Y, ¿cómo hicieron esto?, con scanneos tridimensionales capturados con dos tecnologías: Geometric Informatics y Velodyne LIDAR, la primera para captar imágenes cercanas, y la segunda para expandir múltiples lásers a 360º a través de paisajes y tomas a mayor distancia.

¿El resultado?, un video donde las imágenes presentadas juegan con cambios de formas, ángulos, ambientes y sensaciones volviendo a poner, le guste o no al consumidor de turno, a la banda a la punta de la experimentación.

Como ya lo hicieron antes con videos como Paranoid Android -donde las herramientas eran la animación-, No Surprises -con un Thom Yorke casi ahogado dentro de una fuente cerrada de agua- o Fade Out (Street Spirit) -con imágenes en cámara lenta frente a un escenario oscuro-, la agrupación vuelve a demostrar que lo suyo no va por seguir la tradición.

Carcass en el paraíso perdido

2008-07-14T13:40:00.005-04:00

Antimusic/M.C.C.

Cuando las cosas se hacen de bajo perfil y sin generar expectativas exageradas suelen resultar bien. De esta manera se gestó la venida por partida doble de grandes exponentes de dos corrientes muy distintas del metal: Carcass y Paridise Lost harán un recital en conjunto el próximo 5 de noviembre en el Teatro Caupolicán. Las entradas se venderán a través del sistema ticketmaster.

Carcass, uno de las bandas claves en la gestación del Death Metal, volvió a la vida el año pasado presentándose en varios escenarios Europeos. El guitarrista y voz principal, Bill Steer, es el único que queda de la formación orignal, pues el legendario batero y principal Ken Owen no quizo formar parte de esta nueva etapa de la banda.

En tanto, Paradise Lost ha retomado la senda del rock más duro que abandonó hacia finales del '90 y principios de 2000, donde se alejó del doom metal para experimentar con sonidos más electrónicos, dejando de manifiesto la influencia de Depeche Mode. Su última placa editada el año pasado, In Requiem, trae de vuelta los riffs pesados que le hicieron ganar fama junto a otras agrupaciones del género como Anathema o My Dying Bride.

Cómo aperitivo para preparar este doble concierto que se dará en Chile, les dejamos la placa más trascendental que ha editado Carcass hasta la fecha, Heartwork.

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Noticias varias

2008-07-13T13:21:00.008-04:00

Blabbermouth/Billboard/M.C.C.

20 años debajo del pop

Ya empezó el festival de celebración de los 20 años de la casa discográfica independiente Sub Pop en el Marymoor Park de la ciudad de Seattle, Estados Unidos. Distintas bandas tocaron en honor al sello que les dio cabida mientras las multinacionlaes los ignoraban, tal como Mudhoney, Iron and Wine y The Vaselines. Estos últimos aprovecharon de tocar un par de canciones de Nirvana para conmemorar la ocasión.

Sub Pop se ganó una reconocida fama por ser quienes editaron los primeros discos de Nirvana y Soundgarden, bandas que más tarde serían catalogadas como fundadoras del movimiento grunge.

En honor a este sello, les dejamos la edición de lujo del primer álbum de Mudhoney, un cd doble que incluye el disco original remasterizado más algunos demos y dos conciertos de la agrupación.

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Y siguen los supergroups

En un intento por llegar a ser lo que fueron en los '80, Frankie Banali (ex batero Quiet Riot) y Jeff LaBar (guitarrista de Cinderella) entrarán a grabar un disco este 24 de julio para lo que será su nuevo proyecto: Freakshow. En él además está involucrado el vocalista y primera guitarra de la novel banda M!ss Crazy (así se escribe, créanme). Para más información sobre el nuevo grupo pueden ingresar al sitio My Space de la banda http://www.myspace.com/freakshowrox.

Como no hay nada editado del grupo aún, les dejamos el último disco que sacó Quiet Riot antes de la muerte de su vocalista Kevin DuBrow, Rehab del 2006.

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Además de un video de la banda M!ss Crazy, para que tengan una idea de la voz con que nos toparemos en Freakshow.

Halford se cree Nostradamus

Tal parece que Rob Halford, vocalista de Judas Priest, se metió demasiado en el personaje de Nostradamus, el profeta del siglo XVI en el cuál se basó el último disco de la banda editado este año, que además se lleva el nombre del mismo.

El calvo inglés aseguró a la revista Decibel que "'Nostradamus' será bien recibido. Lo veo interpretado por el Circo du Solei en Las Vegas. También veo algo de un Grammy por ahí". Con apenas 63 mil copias vendidas en Estados Unidos se ve complicado obtener ese premio tomando en cuenta que el jurado siempre se deja llevar por las ventas a la hora de escoger a los ganadores, más allá de la calidad del disco.

También las declaraciones de Halford pueden ser perfectamente una de las bromas que acostumbra a decir en sus entrevistas, pero quién sabe... por el momento les dejamos la última placa editada por Judas Priest y que motivó estas declaraciones, Nostradamus.

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Weezer se viste de rojo

2008-07-12T22:56:00.012-04:00

Por Alejandra Zúñiga Cárdenas

En épocas remotas hubo uno azul, en la mitad de los tiempos uno verde y en la actualidad es rojo. Tres álbumes ha sacado esta agrupación estadounidense bajo los poco -o quizás muy- originales títulos de Weezer, acompañado aquello con un color definido en el fondo de la portada y la imagen de sus integrantes posando con la vista al frente, lo que ha dado como resultado, con la salida el pasado mes de junio del último de ellos, de una trilogía no intencional de discos de colores.

Más allá del asunto estético que conlleva esta secuencia en la historia de la agrupación, lo cierto es que la banda liderada por Rivers Cuomo da vida a un disco que de principio a fin rinde tributos, se burla, disfruta y encanta. Porque si hay algo que esta banda -conocida para muchos como aquella que ha reivindicado el derecho a ser geek (o nerd)- sabe hacer, es construir álbumes donde la unión de elementos disonantes es un arte. Donde los coros más poperos se mezclan con riffs rockeros que la agrupación-en especial Cuomo- ha reconocido siempre como parte de su historia. Porque aunque sea difícil de creer, conjuntos como Metallica, Pixies o Kiss están en las inspiraciones que el conjunto posee y que les permite hacer placas tan distintas pero complementarias como el Blue Album (1994) con sus sonidos más cercanos al pop rock con mezcla de garage, o del Pinkerton (1996), donde las guitarras se toman las pistas para dar vida a uno de los discos más potentes de la agrupación, para seguir luego con el Green Album (2001) donde las revoluciones pasadas bajaron, creando un disco que pese al disgusto de algunos de sus fanáticos, dio vida a algunas de las baladas con más sentimientos de la última década.

Y así, podemos seguir con Maladroit (2002), quizás la menos redonda de sus placas pero donde las guitarras volvieron a tomar el control, para terminar el 2005 con Make Believe, un disco que nuevamente dividió a sus seguidores, con una mezcla de baladas que sin llegar a la brillantez de las compuestas en el Green Album, cumplían.

Después de esta camaleónica trayectoria, ¿qué esperar de un álbum como el lanzado este año? Nada más que una nueva vuelta de tuerca donde, por primera vez, el resto de los integrantes de la banda: Pat Wilson -batería-, Brian Bell -guitarra- y Scott Shriner -bajo- se toman los mircrófonos. Pero eso no es todo, porque el clásico formato de tres potentes y precisos minutos fue cambiado en más de una oportunidad por temas más largos y, la melancolía, la fiesta, el rock y las influencias metal se pasean en dosis precisas -aunque en muchos casos menos intensas- por un disco que recuerda que Wezeer, pese a respetar formatos, no beber en exceso (por lo menos en público), no usar chaquetas de cuero ni salir con modelos, es una banda que lleva el rock en las venas.

Escuchar atentamente el cover de The Weight, original de The Band. Bonus Track del disco, incluido en la versión aquí disponible

Descargue el disco aquí

Y escuchen LADO B, todos los miércoles a las 21 horas (horario de Chile) por http://www.radiojgm.uchile.cl/ o a través de nuestro podcast, que se encuentra mediante un reproductor al costado derecho inferior del blog o en http://www.ladob.podomatic.com/.

Además les dejamos el notable video del single Pork and Beans, una especie de homenaje, sátira y declaración de principios nerd de la banda a la generación youtube.

Supergroup con altura de Zeppelin

2008-07-12T16:12:00.004-04:00

Blabbermouth/M.C.C.

"Sé que es una declaración fuerte... Podemos competir con Led Zeppelin". Estas palabras salieron de la boca de Sammy Hagar (ex vocalista de Van Halen) cuando tuvo que describir qué se puede esperar del nuevo proyecto en que está embarcado. Junto a otro ex miembro de la banda ochentera, el bajista Michael Anthony, además del legendario guitarrista Joe Satriani y el batero de Red Hot Chili Peppers, Chad Smith, formaron Chickenfoot, un nuevo supergroup del siglo 21.

Según han dejado ver en varias declaraciones, los integrantes están seguros de la calidad de la banda. "Es demasiado rockero y esperamos entrar en los estudios para terminar a principios de septiembre y entonces salir a tocar", aseguró Smith a una radio estadounidense.

Como es lógico, la prensa especializada y los fans están espectantes a lo que será este nuevo conjunto, en especial después que los últimos supergroups que se formaron (Audioslave y Velvet Revolver) funcionaron solo a medias. Lo que sí está claro, por lo menos del lado del público, es que el nombre de la banda (Chickenfoot = pata de gallina) es pésimo: "¿CHICKENFOOT? El peor nombre de la historia"; "apuesto que sonará grandioso, pero ese nombre es realmente malo": "el nombre apesta, pero se te queda en la mente", son algunas de las impresiones que se pueden leer en los foros del sitio Blabbermouth.

Cómo sea, lo mejor es esperar y ver si las promesas de Hagar se quedan en eso o por fin volvemos a tener un grupo de rock 'n roll que esté a la altura de los grandes de la historia.

Por mientras, les dejamos un disco en vivo de Sammy Hagar, pues su trabajo como solista no es tan conocido como su labor en Van Halen.

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Todo el honor para The Who

2008-07-11T13:52:00.010-04:00

Billboard/M.C.C.

La cadena VH1 rendirá homenaje a una de las primeras agrupaciones que se mereció la denominación de "banda de rock": The Who. Este jueves 12 de julio en Los Angeles se grabará el espectáculo en que se mostrará la historia del conjunto narrada por las caras más visibles (y que aún viven) de la banda, el guitarrista Pete Townshend y el vocalista Roger Daltrey. De la misma forma se presentarán en vivo Tenacious D, Pearl Jam, Foo Fighters, the Flaming Lips e Incubus, quienes tocarán sus propias versiones de algunos clásicos de la agrupación británica.

Según muchos músicos y expertos, The Who fue la banda que dio el paso final del blues a la inglesa, que dominaba en los años '60, hacia lo que es el rock propiamente tal. De ahí que para gente como Wayne Coyne, de Flamming Lips, la banda inglesa haya sido tan importante en sus vidas. "Por años me pregunté porqué no todas las bandas tocaban como The Who. Cuanto más supe de música, arte o intensidad, The Who siempre estuvo ahí. Ellos te decían tanto sobre el pensamiento de la clase trabajadora mezclado con una energía que trascendía", declaró el artista.

A no pocos amantes del punk les cuesta creer que ese género le debe mucho a Pete Townshend y compañía. Incluso en los años 80', cuando el género reinaba de la mano de The Clash, los intérpretes de "My Generation" tenían algo que decir al respecto, como cuenta Jeff Ament de Pearl Jam: "Fue en Seattle, recuerdo que después de haber visto a The Clash dije 'pagué 25 dólares y eso fue muy decepcionante'. Me fui atrás del arena, me apoyé contra una pared y The Who salió a continuación. Escuché la primera nota y fue como 'wow, la huea increíble'. En términos de lo que es la energía punk, ellos aún la tenían, y The Clash la estaba perdiendo".

Demás está decir que es imperdible esta ocasión. En Estados Unidos se transmitirá el próximo jueves 17 de julio a las 9 de la noche (hora del Este). En latinoamérica se espera que se emita en agosto/septiembre.

De regalo les dejamos un cover de una banda que lamentablemente no estará en esta cita, pero que se sientieron influidos por The Who... Iron Maiden con My Generartion. Descárguela aquí.

Oh Brasil, Brasilero!

2008-07-07T19:42:00.003-04:00

Generalmente cuando me toca escribir para “El Disco de la Semana” trato de buscar algún trabajo del que pueda hablar con autoridad. Pero en esta ocasión no me fijé en compases, ni en estructuras musicales. Es que en el Bossa Nova importa bien poco eso en realidad, a pesar de que habría mucho “paño que cortar”.

La verdad es que para hablar del Bossa, y más específicamente de Antonio Carlos Jobim, hay que dejar en claro algo: los brasileños son muy inteligentes. La gente del “país más grande del mundo” tiene la capacidad única de apoderarse de todo lo que cruza por su tierra. El fútbol, las artes marciales, la magia y la música … todo tiene su identidad única y diferente.

En el caso del Bossa Nova, es el jazz quien sufre una inflexión al llegar a manos de los músicos cariocas. De una manera brillante, injertaron en el ADN de las melodías gringas, los olores y sabores de las playas de Copacabana.

Muchos podrían decir que es a causa de “una séptima mayor agregada a los acordes tradicionales” (léase con voz de crítico de música estirado y pedante), pero yo creo que la razón está en esas manos acostumbradas a moverse al son de la alegría y a esas voces cálidas producto de unas playas paradisíacas.

En el disco Stone Flower (1970), de Carlos Antonio Jobim, está una de las máximas pruebas de mi teoría. La canción “Brasil”, icono del Bossa Nova, aparece en dos versiones: una claramente cruda, probablemente grabada en una sola toma; y otra donde los arreglos y los instrumentos “ajenos” se hacen presentes.

La primera es increíble. Entre lo desprolijo de la grabación, la clara improvisación en la voz, y esa batería dividida entre samba, jazz y clave latina, se crea un híbrido de impresionante fuerza y sutileza. La segunda cuenta con una sección de vientos que, a pesar de hacerla sonoramente mejor, le quita el sudor y la brisa marina a la composición.

En general, este disco tiene ese decantar hipnótico que obliga a calmar el alma a lo largo de 10 canciones. El amor, la desesperanza y la fiesta se unen bajo los compases melancólicos de Jobim, que invitan cerrar los ojos y viajar. Si ustedes no saben nada de Bossa Nova, como yo, este es un gran trabajo para iniciarse en el estilo.

Acá les dejamos este link para que puedan descargar el disco: http://www.mediafire.com/?d2gmdgmxe2u

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Programa de esta semana

2008-05-28T10:03:00.004-04:00

Lamentablemente el programa de LADO B de esta semana no se pudo realizar puesto que las dependencias donde se graba (estudios radiales del Instituto de la Comunicación e Imagen de la Universidad de Chile) se encuentran tomadas por los alumnos, quienes están movilizados por varias demandas tanto internas como a nivel de país que tienen relación con la educación.

Al equipo de LADO B lamenta no poder cumplir con el rito de todas las semanas, pero entendemos que que los chicos del ICEI tienen todo el derecho a tomar las medidas de presión que crean convenientes y no afecten la integridad física de las personas.

Esperamos que la otra semana vuelva todo a la normalidad.

Pero como el mundo de internet no se detiene, y como reclamaba alguien en este post, les dejaremos de todas formas para descarcar el disco de la semana de una las mejores bandas progresivas de la historia, King Crimson con su placa debut In the Court of the Crimson King

Descargue el disco aquí

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